CINEMA, MÚSICA, PINTURA

RESTAURANTES APOSTAM EM CERVEJA AMAZÃ”NICA

2012-01-18T07:51:00.000-08:00

RESTAURANTES APOSTAM EM CERVEJA AMAZÃ”NICA

Pequenos Comentários sobre a Saga Star Wars

2012-01-16T08:20:00.000-08:00

Star Wars IV - Uma Nova Esperança
O Star Wars IV foi o primeiro que assisti no cinema quando foi lançado no Brasil em 1979, com atraso; tinha 11 anos. Não entendi direito a história na época, como a maioria dos adultos também, pois, tudo aquilo era novo ainda. Falava-se em Jedi, em Guerra dos Clones, em Força... tudo era novo! Ninguém sabia ainda do que se tratava. Mas, me senti orgulhoso de visitar em Londres, em 2005, o estúdio onde fora gravado a maior parte de Star Wars IV.
Este filme é importante porque nos apresenta os personagens principais e o antagonismo entre os rebeldes e o Império. Uma das coisas que mais me marcou foi o intenso branco do interior da Estrela da Morte e dos soldados do Império. Entre as criaturas, gosto dos Jawas, vendedores de dróides.
O filme começa à queima roupa, com a Princesa Leia já raptada e precisando de ajuda. Pois bem, o filme é o mais enxuto, simples e completo da saga, tanto é que poderia existir sozinho, sem a existência dos outros episódios. Nele há a apresentação de todos os temas, a apresentação do problema central, o intermediário - rico em aventura e ação - e um fim definido, com a vitória dos rebeldes sobre o Império. É um filme completo em si, enquanto não se sabe o que se vem dali em diante. Apesar do penteado extraordinário de Leia, o figurino ainda é bem cafona. Gosto da idéia de contraste entre os uniformes homônimos do Império em contrapartida com as roupas diferentes e originais dos rebeldes, cada um com seu estilo.
Aqui a influência de Branca de Neve para compor Princesa Leia é marcante e também de Flash Gordon nas partes de aventura espacial. No formato de C-3PO, nós podemos constatar a influência dos contornos do robô do filme Metrópole. E por ai vai...as influências são várias...King Kong, Godzilla, filmes de Samurais, filmes de piratas, Tarzan, etc.
Quanto aos pontos negativos do filme, não gosto do personagem Chewbacca e nem dos monstros exagerados do filme. Acho até ridícula aquela roupa de Chewbacca. T irar da edição final a apresentação dos amigos humanos de Luke foi uma falha, para mim, imperdoável.
O filme se passa mais tempo no espaço. O planeta do episódio é Tatooine, o planeta com dois sóis da família Skywalker, com aquelas dunas de areia e pureza típica de qualquer deserto. Aliás, Tatooine é o planeta mais visitado pela saga e só não aparece no episódio V.
Gosto muito da idéia inocente do típico fazendeiro sonhador (Luke) que vê além dos dois sóis de seu planeta vazio e tedioso e procura grandes aventuras em lugares distantes, se transformando num ambulante das estrelas, literalmente, num Skywalker.
Destino consumado, Luke sai atrás de sua tendência viajante e aventureira; estava no sangue, como saberemos no episódio V. Luke Skywalker é o alter-ego de George Lucas. Ele - como típico geek - inteligente, porém, tímido, sem charme e desajeitado, se realizava como herói na pele de Luke. Não é à toa que o nome do herói nasceu do nome do próprio autor (Luke=Lucas).
Há grandes estrelas tecnológicas neste filme: R2-D2, os caças imperiais TIE, a Millennium Falcon, a Estrela da Morte, o caça TIE de Vader, as naves dos rebeldes, o sabre de luz...aliás, vimos a partir deste episódio, que sempre que há um duelo com sabres, um tem de morrer. Outra coisa, na trilogia clássica, cada filme só tem um duelo de sabre de luz e é sempre próximo do final.
A batalha de Yavin, cujo objetivo é destruir a Estrela da Morte, é uma das mais marcantes e emocionantes de toda a saga. A peculiaridade de seus ângulos de filmagem, a velocidade da ação e os mergulhos inesperados dos caças nos surpreendeu na época.

Star Wars V – O Império Contra-Ataca
Neste episódio o astro tecnológico principal e mais marcante são os Walkers imperiais da Batalha de Hoth. A segunda base secreta dos rebeldes rende paisagens e cenários de neve impressionantes logo no início do filme.
Star Wars V é importante porque as batalhas estão mais bem produzidas, o imperador aparece em holografia pela primeira vez, Han Solo é congelado, aparecem personagens interessantes como Boba Fett e o General Veers, naves mais incrementadas, Yoda nos é apresentado e Luke fica sabendo que é filho de Darth Vader.
O treinamento de Luke em Dagobah tendo Yoda como mestre ocupa quase toda a parte central do filme e acho, francamente, que poderia ter sido encurtado. Poderiam dizer que Luke passou alguns anos em Dagobah com Yoda e pronto. Mas, foi aquela perda de tempo... ainda assim o filme consegue superar o anterior.
A perseguição pela frota imperial passando pelo campo de asteróides é uma das imagens mais lendárias de Star Wars. A complexidade destas imagens para a época não tem precedentes.
Mas, o prato principal deste jantar delicioso é o Planeta das Nuvens, que rende cenários urbanos impressionantes. Os ambientes internos – com influência da arquitetura alemã - também são de cair o queixo. Dramáticos momentos se passam neste planeta. Vemos aqui Boba Fett em plena ação, com tomadas que valorizam o personagem. Aqui ocorre a luta de sabre entre Darth Vader e Luke, a declaração da paternidade, o quase suicídio de Luke. Os cenários e ambientes desta luta – ao contrário da breve e parada luta entre Vader e Obi-Wan – variam bastante e nos impressiona pela grande escala. Tudo é amplo e assustador. Ocorre a primeira mutilação de braço da saga. Um final belíssimo, com declaração bombástica, que prepara a platéia para o próximo episódio. Uma obra magistral.

Star Wars VI – O Retorno de Jedi
Aqui coisas importantes e definitivas acontecem. Han Solo é descongelado e volta à ativa, Yoda descansa em paz, finalmente, depois de centenas de anos; Luke confirma com Yoda que é, de fato, filho de Darth Vader. Mas, também Yoda revela que há outro Skywalker, sua irmã Leia. Leia fica sabendo e Han Solo também. Ocorre também a aniquilação do Imperador e de Lorde Vader. Desta forma, trata-se de um episódio importante e definitivo da saga.
O modelito exótico de Leia como escrava de Jabba é o que mais me chamou atenção em termos de figurino. Fantástico! Mostra que ela amadureceu, junto com os fãs da época. Mas, mostra também, em seu design egípcio, uma independência feminina rara em tempos de machismo latente no cinema. A referência egípcia não é à toa; a sociedade egípcia antiga não era machista; as mulheres tinham os mesmo direitos dos homens. O fato de ela mesma ter aniquilado Jabba foi uma idéia interessante e justa. Ela demonstra que não é uma daquelas mocinhas inocentes e bobas que esperam que os mocinhos façam tudo para salvá-la. A mesma corrente que serviu para aprisioná-la foi usada como arma para sufocar Jabba. Tatooine, o planeta mais querido da saga, é mostrado de uma forma diferente: seu lado subterrâneo, marginal, cruel, escuro.
Quanto à lua Endor, com sua selva densa e alta, seus habitantes são talvez os mais fofinhos da saga: os Ewoks. Na época, eu, adolescente, achei meio babaca. Mas, hoje eu dou risada à vontade com as atrapalhações dos Ewoks, confesso. Neste episódio o humor foi bem longe. A perseguição nos speeders em Endor é uma das cenas mais marcantes do episódio.
Quanto à batalha para aniquilar a segunda Estrela da Morte, considero uma das mais ricas de todas, com quantidade imensa de naves e caças no espaço, mas, me chamou atenção a forma primitiva – a base de pau e pedra – que os Ewoks desmontam o alto poder tecnológico da equipe imperial na batalha em terra firme. O filme tem uma dinamicidade fantástica. Duas batalhas – no espaço e terra firme - acontecem aqui, acrescentado do drama entre o imperador, Darth Vader e seu filho, dentro da Estrela da Morte, portanto, três acontecimentos simultâneos.
Os diálogos no Star Wars VI são mais dramáticos e impressionantes do que os do Star Wars IV; faz-nos lembrar o drama do teatro grego antigo. E esses diálogos são inteligentemente cortados com ação em alta adrenalina, com ação e diálogo alternando entre si. Eu não suporto no Star Wars V aquele longo diálogo de quase 20 minutos quando Luke conhece Yoda ou no Star Wars IV quando Luke conhece Obi-Wan. Haja saco! Lembram as explicações enjoadas de Matrix I.
Não gosto de certas escolhas de George Lucas para este filme. Rancor poderia ter corpo de homem gordo como no projeto inicial e não ser um monstro nojento, eu não gosto de robôs como EV-9D9, pertencente à Jabba. Já acho a criação do poço com boca (Sarlacc) interessante. Aquelas cenas de Sarlacc me fez lembrar os filmes de piratas de sessão da tarde. Gosto também do Almirante Ackbar, líder dos rebeldes, com cabeça de peixe. Acho divertido.
Sempre considerei o episódio VI da saga, em certa medida, uma repetição do IV, uma vez que se repete a célebre cena da cantina de Star Wars IV com as criaturas esquisitas retratada na festa do palácio de Jabba e também as repetições do resgate da princesa Leia, da destruição da Estrela da Morte e da comemoração final. Muito similares os episódios entre si.
Mas, Star Wars VI é riquíssimo, tem humor, romance e muita ação, nesse aspecto nos lembra o Star Wars II. Tem os Walkers AT-ST, que parecem galinhas mecânicas, muitas naves, inclusive as em formato em Y do Império, tem o trono do Imperador, tem o almirante Ackbar, tem Darth Vader sem máscara (somente no Star Wars III vemos esta cena e, parcialmente, no Star Wars V), então é muita informação prá um filme só.
O toque final onde Anakin Skywalker jovem – na versão remasterizada - aparece ao lado de Yoda e Obi-Wan é uma bela sacada do mestre Lucas. O ator velho que bancou o Darth Vader nesta cena final na versão original deve ter ficado puto da vida.

Star Wars I – A Ameaça Fantasma
Este episódio mostra Anakin (Darth Vader) criança. Tem o mérito de finalmente revelar Yoda e Jabba – que antes quase não se mexiam direito – em toda sua extensão, de corpo inteiro, cheios de mobilidade. É o primeiro misturando bonecos de ventríloquo com criaturas digitais, cenários de maquete com desenho digital. Ficou interessante! Outro mérito é nos apresentar, com riqueza de detalhes, o planeta Coruscant, com seus arranha-céus.
Um dos focos mais marcantes dessa nova trilogia é o troca-troca fantástico de roupa dos personagens principais. O figurino que mais muda e que é mais fascinante é o da Rainha Amidala.
Neste episódio somos apresentados ao aprendiz de Lorde Sidious, o espetacular Darth Maul, um dos anti-heróis mais amados pelos fãs de Star Wars, no mesmo nível de Boba Fett. Uma pena que este personagem morre no mesmo episódio em que foi apresentado. Assim como Lorde Dookan, ele merecia morrer um episódio à frente, para voltarmos a vê-lo. Assim como Darth Maul, o cavaleiro Jedi Qui-Gon também nos é apresentado e logo morto no mesmo episódio.
Uma das cenas mais marcantes é a corrida de Pods de Tatooine. Imagine em 3D como vai ficar? Aliás, a equipe teve de voltar à Tunísia para filmar o planeta de origem dos Skywalker. A apresentação deste planeta, no episódio I e II, é a mais completa e gratificante de toda a saga. Uma cena marcante – que foi temperada com bastante humor por parte de Lucas – foi a destruição da nave de Guerra da Federação pelo garoto Anakin em piloto automático; outra cena marcante e uma das lutas mais belas de toda a saga é a luta com sabre de luz entre Darth Maul e os dois cavaleiros Jedi.
As grandes novidades tecnológicas são os dróides com escudos circulares, a cidade submersa dos Gungans e a nave estelar da rainha em forma de lágrima, toda cromada, refletindo a luz como um espelho, toda limpa, bem pintada, sem amasso ou sujeira, contrariando o universo Star Wars. Esta nave real e outras naves e speeders faz deste episódio o mais limpo da saga.
Se há três batalhas ou acontecimentos importantes simultâneos no Star Wars VI, aqui há quatro! Batalhas ou lutas importantes acontecendo: a batalha dos Gungans em terra firme, a luta da Rainha e de seu séquito contra a Federação, a luta de sabre de luz entre os dois Jedi e Darth Maul e, finalmente, a batalha espacial para destruir a nave da Federação, cujo objetivo foi atingido pelo garoto Skywalker e o robô R2-D2. Aliás, esta nave, uma das mais marcantes de toda a saga, parece uma rosca com uma pequena mordida e uma bola de tênis no centro. Acho o design fantástico!
Como pontos negativos, tenho muita vergonha de personagens como os Gungans, Sebulba, Jar Jar Binks, Watto, entre outras idiotices de Star Wars que eu faço de conta que não existem.

Star Wars II – Ataque dos Clones
Esse filme é um dos mais complexos da saga. Se for comparar com a história um tanto simples do episódio I ou de Star Wars original (Uma Nova Esperança), este filme talvez seja onde mais coisas acontecem, criando uma rede de complexidades quase inconcebível. Este é o mais shakespeariano dos episódios Star Wars; remete-nos a Romeu e Julieta, Otelo, Macbeth.
Aqui o planeta Coruscant é explorado ainda mais. O figurino da caçadora de recompensas Zam Wesell (aquela moça transmorfa) é uma das criações mais marcantes de Star Wars, onde couro e ferro são misturados de forma harmônica.
Outro fato marcante são os desfiles de moda proporcionados pelos trajes elegantes e ousados de Padmé Amidala. Lembra-me Grace Kelly e seus vestidos nos filmes de Hitchcock.
O planeta Naboo, terra natal de Padmé, é apresentado como um paraíso no Universo. A influência da paisagem e arquitetura é a Itália, para dar um ar romântico. Aliás, este episódio é o mais romântico da saga. Mas, também com ação em terra firme, em Geonosis, muito complexo. É o maior combate Jedi da saga, onde vemos mais sabres de luz sendo usados.
O aprendiz da Ordem Sith chamado Lorde Dookan é apresentado no lugar de Darth Maul, como discípulo de Lorde Sidious. Neste episódio o elemento mais marcante é a presença do exército de clones – para substituir dróides – criado para a República. O que nos leva para o planeta Kamino; muito interessantes são as criaturas deste planeta: criaturas delgadas, altas, pescoços esticados, corpos sem ossos. A perseguição de Jango Fett pelo Jedi Obi-Wan é umas das cenas mais marcantes de Star Wars. Toda a perseguição, a luta, o campo de asteróides, as explosões inusitadas das cargas explosivas sísmicas; aliás, o som destas explosões é uma surpresa neste capítulo.
Tatooine é recriado de uma forma surpreendente, cada vez com mais detalhes, adentrando em casas de fazendeiros e mostrando os acampamentos do povo nômade da areia.
Geonosis mostra os dróides sendo construídos por outros dróides. Cenas de cor quente, com cenas de ação surpreendente em fábricas de robôs e arenas fantasmagóricas. A batalha que é travada aqui entre a Federação e o Exército dos clones é uma das mais complexas da saga. Pela primeira vez a marcha imperial é ouvida na nova trilogia, quando vemos o grande exército dos clones. Esta mesma marcha será usada como leitmotiv de Lorde Vader. Aqui também Anakin começa, aos poucos, a virar homem-máquina, com seu braço – arrancado por Lorde Dookan – sendo substituído por um braço mecânico.
Pontos negativos: O speeder Jedi amarelo que aparece neste filme é um dos mais feios e infantis. Parece brinquedo de parque de diversões, muito limpinho e pintadinho pro meu gosto. O único speeder interessante é o do meio-irmão de Anakin, Owen Lars. Parece muito com aquele speeder do Retorno de Jedi, na lua de Endor.

Star Wars III – A Vingança dos Sith
O nome Sith vem de uma referência egípcia antiga; o deus Seth era, para os egípcios, a divindade do caos, da maldade, da tempestade. Era uma divindade maléfica, da época dos Faraós. O nome Sith em Star Wars serve para nomear uma Ordem do lado sombrio da Força, liderado, naquele momento, pelo Chanceler Palpatine. A referência ao deus egípcio não é citada em nenhum material extra de Star Wars, mas, não é preciso ser historiador especializado para ter ouvido falar do deus Seth na história da antiguidade egípcia. Eu que visitei o Egito em 2006, ouvi a guia espanhola falar mais no deus Seth do que em Tutakamon, por exemplo.
Há de se considerar que, se o ataque do Império com os Walkers em Star Wars V era considerada uma obra-prima para aquele tempo, a abertura de Star Wars III é uma obra-prima para o nosso tempo. O salto do IV pro V é gritante; e o mesmo ocorre entre o II e o III. É a abertura mais complexa e longa de toda a saga. Eu adoro rever tudo aquilo. Quando os dois caças Jedi mergulham logo abaixo de uma nave-mãe, vê-se que a galáxia está em guerra. É a guerra, desta vez, tendo à frente o temível General Grivous, um dos meus personagens prediletos e, acredito, de todos os fãs da saga. Mais máquina do que humano e com seus quatro braços e quatro sabres, Grivous é um bandido marcante na saga. Acredito que, além dele, bandidos que mais me marcaram foram Darth Vaders, Darth Maul e os caçadores de recompensa Zam Wesell, Jango Fett e Boba Fett.
Aqui Palpatine se revela como traidor da República. Percebe-se que R2-D2 pode fazer muito mais coisas do que na trilogia clássica. Plataformas de pouso em Star Wars são personagens e, aqui, a plataforma de pouso de Utapau e o mais belo e original. Aliás, de toda a saga. Não há speeders aqui neste episódio. Mas, um dos personagens que mais gosto é o líder do povo mustafaniano, com seu roupão rubro; adoro aquele ator que recebe Obi-Wan em Utapau, com seus dentes inesquecíveis.
Certamente é o episódio mais obscuro da saga. É o mais cru. O assassinato de Lorde Dookan, onde a cabeça é arrancada por dois sabres, é o mais cruel que já houve em Star Wars. O sonho de Padmé de ter seu filho em Naboo nunca se realiza aqui; aquele paraíso bastante explorado no Star Wars II aqui surge nebuloso para mostrar o enterro de Padmé. O corpo queimado, em carne viva, de Anakin e seus olhos amarelos em ódio fazem o filme beirar o gênero terror. Muitos fãs consideram Star Wars III e V os melhores da saga. São os mais sérios, realmente. E também o Star Wars III e V, coincidentemente, são os mais estrangeiros dos episódios. São os únicos Star Wars que as cenas não se desenrolam nos planetas de origem nem de Padmé e nem de Anakin. Tatooine e Naboo não aparecem como pontos importantes de ação nos dois episódios. Naboo aparece por alguns segundos no enterro de Padmé e Tatooine, no final, na entrega do bebê Luke aos pais adotivos.
Muita coisa acontece aqui de dramático e histórico: a morte de Padmé, a sedução de Anakin pelo Imperador, o nascimento de Luke e Leia, o batismo de Darth Vader.
Uma cena clássica é a da ópera estelar. A cena onde o líder dos bandidos assiste uma ópera do alto do teatro é um estereótipo em filmes de gângsteres. Foi uma boa citação de Lucas neste episódio. A música extremamente futurista e a encenação da ópera ficaram muito boas no filme. Eu adorei. Espetacular!
Star Wars III é recheada de cenas marcantes e emocionantes como a luta entre Anakin e Obi-Wan, que reduz qualquer luta de sabre da trilogia clássica em mero treino em câmera lenta. A luta em meio à lava, em Mustafar, tem uma conotação cataclísmica e dramática, que complementa a cena da ópera anterior. A transformação paulatina da tropa clone em stormtrooper é fantástica. Outra cena emocionante é a execução da Ordem 66, onde todos os Jedi devem ser eliminados, com o adágio orquestral mais belo e tocante da saga, com um coro melancólico e nostálgico, de fundo.
Há os pontos negativos, como sempre: Yoda pulando demais na luta contra Palpatine, mesmo estando velho para isso; inserção de animais ridículos como o lagarto Boga e os chatos wookiees, dentre eles, Chewbacca, que eu acho um porre; interpretações ridículas de Hayden (Anakin), fazendo biquinho o tempo inteiro; a aparência estranha da máscara de Darth Vader – neste episódio – artificialmente simétrica (a da trilogia clássica era mais artesanal e assimétrica), dentre outras coisas que é melhor fazer de conta que não vimos. Afinal, Star Wars é só prá curtir e não prá ficar analisando demais. Vejamos o lado bom da Força.

Denison Rosario.

Star Wars - Nova Trilogia X Trilogia Clássica

2012-01-16T08:16:00.000-08:00

Trilogia Clássica X Trilogia Nova

Há quem só respeite a trilogia clássica, há também quem goste das duas, porém, gostam mais de um episódio que de outro...francamente, eu adoro todos os seis episódios e acho que todos têm seus pontos negativos e positivos. Quem começar a ver a saga pela nova trilogia terá a tendência de preferir essa, e quem começar pela clássica, terá a tendência de preferir a clássica. Tudo depende da idade e da experiência com Star Wars. No tempo da trilogia clássica, os coroas não curtiam aquele tipo de filme, era direcionado para o público infanto-juvenil. Hoje os coroas, como eu, compartilham com as crianças e jovens a nova trilogia. Existem os rancorosos, que não aceitam a nova trilogia. A verdade é que o valor da trilogia clássica reside no fato de ter-se conseguido realizar tais filmes numa época onde seria, teoricamente, impossível. A nova trilogia favorece a amplitude da expressão artística, devido ao avanço da tecnologia usada na produção dos filmes, sendo que os efeitos usados não foram inéditos como foram os de outrora; a grande mágica da trilogia clássica está em toda produção da época que foi envolvida para desenvolver tais efeitos sonoros e visuais. Mas, uma não pode ser comparada à outra. Imagino que um garoto hoje, que conheceu primeiro a trilogia nova, estranhe Star Wars IV, mas, eu, quando assisto, me emociono com as imagens, porque faz parte de minha infância. E a trilogia clássica estava além de seu tempo; a nova trilogia está inserida no seu, mas, não está além.

Aliás, queria deixar registrado aqui que os únicos personagens que estão em todos os episódios da saga são Anakin, Obi-Wan, R2D2 e C-3PO. Mas, considerando que Obi-Wan aparece no V e no VI em forma de espectro, Anakin aparece em idades e aspectos diferentes e C-3PO aparece no primeiro ainda sem o casco dourado, portanto, irreconhecível, então, o robô R2D2 é o único personagem que se apresenta, como tal, em todos os episódios.

Podemos perceber também que a trilogia nova nos presenteou com mais papéis femininos do que a clássica, quase absolutamente masculina; em contrapartida, talvez a trilogia nova ficasse melhor se George Lucas desse para outras pessoas dirigirem, como fez com a trilogia clássica. Só há um duelo de sabres de luz nos clássicos em cada filme, enquanto nos novos os duelos são muitos, mais demorados, movimentos mais rápidos e mais complexos.

Apesar dos fãs buscarem algo de filosófico na saga, acho que o forte aqui não é a filosofia. Há falhas nos roteiros quanto a isso, e também falhas em algumas atuações e na inserção de alguns personagens em todos os episódios, mas, Star Wars são filmes de ação, o que vale aqui são os sabres de luz, os tiros a laser, o figurino, os planetas e luas, as plataformas de pouso, as naves, as máquinas, os dróides, os alienígenas e os mestres e discípulos de ambos os lados da Força; enfim, são filmes de ação, com uma magia especial, por causa do gênero ficção científica, por causa da qualidade dos efeitos especiais que tornam coisas impossíveis acontecerem na tela; são filmes de ação, para relaxar e degustar, apenas.

2011-11-01T18:01:00.000-07:00

Essa é de meu colega Professor Fidel:

O MITO DA NOSSA CAVERNA
Tempos passados vivíamos no Brasil o romantismo da pobreza, travestida de cultura ou o estigma de uma classe. Os pobres eram lembrados em canções que faziam apologia à vida simples dos morros e favelas e imortalizadas, em letra e música, no cancioneiro nacional como Barracão de zinco, Ave Maria no morro, Saudosa maloca, Trem das onze e algumas outras. Nesse ínterim, as elites, no comando dos poderes públicos, “entendiam” que os pobres eram felizes em seu “status quo” e cuidavam de extrair-lhes, sorrateiramente, o voto e os serviços pouco ou nada qualificados, dando-lhes o falso sentimento de valorização e elevada auto-estima pelo simples contato com detentores de poder político, social e financeiro. Viviam na caverna, contemplando sombras sem perceber o quanto eram explorados e nem o mundo de luzes que havia lá fora. Desconheciam as oportunidades de acesso a uma educação de qualidade, por exemplo, que lhes capacitassem a ir além da necessária “assinatura” na folha de votação. Finalmente, o desenvolvimento social e tecnológico iluminou a caverna e de lá saíram, atônitos e encantados, como neo-alforriados, ávidos por inserção num mundo novo. Mas, como num passado mais remoto, não tinham estrutura para se inserirem no mundo legal e se apropriarem, dignamente, de tantos recursos e possibilidades, são, agora, cooptados pelo crime. De forma semelhante, as modernas tecnologias, lideradas pela internet e recursos computacionais, revelam que vivíamos em cavernas, onde a força que movia o mundo vinha do vigor físico (hoje a cargo das máquinas) e dos recursos financeiros.
Deslumbrados com tantas opções e possibilidades inexistentes no passado, questionamos: como a humanidade conseguiu sobreviver por tanto tempo sem os recursos, confortos e conveniências da pós-modernidade? Como a espécie humana sobreviveu e ainda sobrevive, em regiões remotas, sem água tratada, rede de esgotos, coleta regular de lixo e sua devida destinação; sem os avanços da medicina; sem o poder da mídia e dos recursos computacionais? Por outro lado, refletindo razoavelmente sobre a contemporaneidade, numa leitura crítica do nosso entorno social amplo, perguntaríamos: até onde e por quanto tempo a humanidade vai resistir às guerras tecnológicas; às várias formas de poluição; à incoerência do ser humano e sua incompatibilidade com seu semelhante? Até quando resistirá à ferocidade do capitalismo selvagem que supervaloriza o ter em detrimento do ser (humano), sob os auspícios das tecnologias, quando inapropriadamente aplicadas? Assumimos o risco de, egressos da caverna de Platão, adentrarmos a caverna dos gênios das tecnologias e vivermos nas sombras dos nossos valores mais nobres.
A polêmica se acirra porque as tecnologias, como a própria existência, repousam sobre valores ambivalentes, potencializando possibilidades para todos os propósitos. No plano temporal, tudo fica na dependência do único ser pensante: o homem. Estabelece-se, então o dilema: qual lado está aplicando “melhor” os avanços tecnológicos? Valeu a pena sair da caverna?
Diante de tantas considerações possíveis de serem levantadas, fica a esperança de que as tecnologias avancem e, paralelamente, o homem se re-humanize para usá-las para o bem. Para coibir a corrupção e o crime; para potencializar os processos de aprendizagem e melhorar a educação; para estimular o diálogo numa dimensão universal; para que a família reassuma seu relevante papel na sociedade e para que Deus permei a mente e o coração dos seres humanos.

SOBRE O DEEP PURPLE

2011-05-04T17:14:00.000-07:00

Entre a Sagrada Trindade do Heavy Metal: Sabbath, Zeppelin e Purple, considero o Deep Purple a melhor banda. O trunfo do Zeppelin talvez seja nunca ter mudado a formação inicial e sua performance ao vivo e o do Sabbath, a identidade heavy mais definida, mais purista. O Deep Purple vence pela qualidade instrumental dos seus discos de estúdio. A banda passou por diversas mudanças de formação, além de um hiato de oito anos (1976-84). As formações do período 1968-76 foram comumente chamadas de Mark I, II, III e IV. Sua segunda formação, a mais bem-sucedida comercialmente, contou com Ian Gillan (vocal), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclado), Roger Glover (baixo) e Ian Paice (bateria). Esta formação esteve em atividade de 1969 a 1973, e foi reunida de 1984 a 1989 e, brevemente, em 1993, antes que as rixas entre Blackmore e os outros membros da banda se tornassem intransponíveis.
Jon Lord e Ian Paice foram os únicos integrantes que sempre estiveram presentes na banda em todas as fases. Mas, Don Airey substituiu Jon Lord nos teclados em 2002, fazendo de Ian Paice o único integrante que nunca saiu.
Os melhores discos da banda contam com os músicos Lord, Paice e Blackmore, como integrantes fixos, com exceção de Come Taste the Band, que é muito bom, e é sem Blackmore. Isso é interessante porque faz da banda a única da Tríade onde o vocalista não é a peça mais importante, mas, os músicos. A importância de Ozzy e Robert Plant são cruciais nas suas respectivas bandas, no Purple não ocorre isso. A marca da banda sempre foi a mistura de guitarra e teclado, com riffs simples e fortes e solos vigorosos. Sua canção mais conhecida é Smoke on the Water, gravada em 1972.

Fase inicial:

O primeiro disco, Shades of Deep Purple, com Rod Evans nos vocais, foi lançado em setembro de 1968. Recheado de regravações (incluindo versões progressivas de Help, dos Beatles, e Hey Joe, de Jimi Hendrix), o disco estourou nas paradas de sucesso dos EUA com uma música de Joe South: Hush, o primeiro single da banda. No disco já vemos todos os elementos musicais da banda. As viagens instrumentais – duelos entre teclados e guitarra - de Mandrake Root e And The Address já é bem a cara do Purple. Em I’m so Glad temos uma introdução demorada dos teclados, como em Lazy, anos depois. Eu gosto deste disco, mas, ainda é imaturo. Nota 7

O segundo disco: Em dezembro do mesmo ano, quando o segundo disco The Book of Taliesyn já havia sido lançado, eles fizeram sua primeira turnê na América, acompanhando o Cream. Apesar de estiloso no cantar, Rod Evans nunca foi lembrado como um vocalista importante do Purple. Só marcou Gillan e Coverdale. Também com regravações: River Deep, Mountain High (sucesso na voz de Tina Turner), We Can Work it Out (Beatles) e Kentucky Woman (Neil Diamond). A composição Wring That Neck sobreviveu, no setlist do grupo, à extinção da formação no ano seguinte. Foi o veículo de algumas das mais inspiradas trocas de solos entre Blackmore e Lord. Nota 6

O terceiro disco lançado na Inglaterra quando a nova formação, com Ian Gillan, com sua proposta sonora mais ousada, estreou. O primeiro vocalista da banda não dava gritos de banshee e não estava acompanhando o desenvolvimento dos outros integrantes da banda. Jon Lord também estava finalizando seu Concerto for Group & Orchestra; na verdade, este último mais uma realização de Lord do que da banda. Nota 6.

Nova Fase, In Rock, chegada de Gillan e Glover - Gritos

Nesse período, além de mostrarem o novo tipo de composição idealizado por Lord (unindo as linguagens da música erudita e do rock), os ingleses de todas as classes sociais conheceram Child in Time, composta ainda em Hanwell. A composição mostra tudo o que a nova formação trazia de novo em relação à anterior: mudanças de ritmo, solos poderosos, gritos de banshee e risadas diabólicas. O novo Deep Purple era elétrico e explosivo, e isso ficaria muito claro no primeiro disco da nova formação - In Rock, lançado em abril de 1970. Os ingleses puderam conhecer faixa por faixa do novo disco via BBC durante os vários meses que levaram ao lançamento. Conheceram inclusive faixas inéditas, como Jam Stew, e uma versão primitiva de Speed King chamada Kneel and Pray. Esta faixa de abertura já mostra um início confuso, explosivo, uma explosão como entrada....depois fica só o teclado com seu timbre leve...e então, entra o maravilhoso rock Speed King, uma maravilha do Deep Purple. O Hard rock surge daí. Nesta faixa os diálogos entre teclados e guitarras continuam forte. Belo début da voz de Gillan. A faixa seguinte Bloodsucker confirma a tradição heavy de associação com sangue. Um belo rock’n’roll...uma das faixas que eu mais gosto da banda. Child in Child é a música que mais chama a atenção pela complexidade. Esse é um disco de lado B muito bom. Adoro rocks quadrados e sem freios como Flight of the Rat (com frases e solos belíssimos de guitarra), Into The Fire – que eu adoro – e o quase heavy metal Hard Lovin Man (essa canção me lembra Jimi Hendrix na voz de Gillan, não fosse os gritos estridentes). Black Night é single desse tempo. Um sucesso. Que bateria maravilhosa...essa banda é uma farra mesmo...uma festa do bom rock’n’roll. Nota 10

Fireball, mais experimental

O segundo disco da Fase II foi Fireball, que mantém a eletricidade, mas, envereda por um caminho mais experimental. Até um country ("Anyone's Daughter") o disco inclui, ao lado de longos instrumentais como os de "Fools", músicas experimentais como “The Mule” e rocks mais próximos dos que havia no disco anterior, como "Strange Kind of Woman". A faixa de abertura “Fireball” mostra uma bateria furiosa e um entrosamento extraordinário. Há músicas levemente suingadas como “No no no”, e há mesmo uma deliciosa balada (quase um blues), sem ser meloso, no estilo Deep Purple, com um suingue bem legal: “Demons Eyes”. Os duelos entre os teclados e a guitarra estão impecáveis. Este disco é muito bom. Cruel mesmo...exemplo disso é a visceral e ritmada “No One Came”. Os shows da turnê de 1971, disponíveis apenas em gravações piratas, mostram uma banda mais madura e mais ousada. É nessa turnê que Ian Gillan começa a fazer duelos de sua voz com a guitarra de Blackmore, por exemplo. Nota 8.

Smoke on the Water & Machine Head, o melhor da banda

A gravação de Machine Head foi na Suiça. Talvez o melhor disco de todos os tempos da banda, com sua música mais famosa “Smoke on the Water”. A história inteira da gravação é contada em poucas palavras na música, a última a ser gravada no disco. Blackmore havia criado um riff que não fora usado. Não havia letra. Então veio a ideia de escrever sobre o que acontecera na gravação do disco. Gillan afirma que eles estavam num bar quando Roger Glover escreveu num guardanapo o título da música (que significava "fumaça sobre a água", uma boa descrição da fotografia que um jornal publicou no dia seguinte ao incêndio). Glover diz que a expressão lhe surgiu em um sonho e que Gillan lhe respondeu: "não vai rolar; parece nome de música sobre drogas, mas nós somos uma banda que bebe". O disco é quase todo tocado nos shows da banda desde então. “Highway Star” e “Lazy” também são marcos. Na verdade, o disco todo é impecável! O disco com melhor mixagem, som e entrosamento da banda. Nota 10

Who Do We Think, o mais negligenciado

O ano de 1972 é movimentadíssimo, e nele o Deep Purple chegou pela primeira vez ao Japão, onde foi gravado seu mais famoso disco ao vivo, Made in Japan; com esta formação, é um dos melhores AO VIVO de todos os tempos. Na Itália, o grupo também preparava a gravação de Who Do We Think We Are. Um ótimo disco negligenciado pelos fãs. Tem um belo hit: Woman from Tokio, presente em todos os setlists da banda. Canção com um recheio psicodélico no centro. Rocks deliciosos suingados como Mary Long, a deliciosa e riffada Super Trouper, com sua bateria de efeito, e outros presentes delicioso como Smooth Dancer, a misteriosa e gritada Rat Bat Blue...são canções maravilhosas...uma festa...que fazem o nome do Deep Purple e que eu adoro. O delicioso blues Place in Line dá um sal no tempero. O disco acaba bem com a boa e tranquila Our Lady. Grande disco sem temas ou riffs famosos. O ritmo de trabalho da banda, porém, custou caro a eles. Nota 9.

Terceira Fase, sem Gillan e Glover, mais suingada ainda: Burn

O primeiro novo integrante recrutado para o Deep Purple, logo após o fim da Fase II, foi o baixista Glenn Hughes, que cantava e tocava baixo no Trapeze. A dupla habilidade empolgou Blackmore e Lord, mas ele não seria deixado sozinho nos vocais. Enquanto seguia a busca pelo novo vocalista, o guitarrista Blackmore e Hughes iam se conhecendo e tocando juntos. O que se tornaria o blues "Mistreated", sem a letra, foi composto nessa época. A hipótese de tocar o grupo com apenas quatro membros foi cogitada, mas a ideia de ter dois vocalistas falou mais alto. Ai surgiu David Coverdale. Em 9 de setembro, o novo grupo se trancou por duas semanas no Castelo de Clearwell para compor. Empolgadíssimo, Coverdale escreveu quatro letras diferentes para a música que seria "Burn". Em novembro, foi gravado o disco Burn, novamente em Montreux, com a mesma unidade móvel dos Rolling Stones com que foi gravado Machine Head. A nova equipe estrearia no palco em 8 de dezembro, na Dinamarca. Era a estreia da Fase III do Deep Purple. O disco só sairia em 1974. É o melhor disco dessa formação. O novo som era marcado pela maior velocidade e técnica de Blackmore na guitarra e pela tensão entre os dois cantores. No estúdio, os duetos eram perfeitos. No palco, Hughes punha a trabalhar toda a potência de seus pulmões sempre que podia, muitas vezes chegando a intimidar Coverdale. O baixista e cantor também acrescentou à receita do Deep Purple uma boa pitada de tempero funky - que Blackmore aceitou inicialmente a contragosto, por entender que apesar de este estilo estar nas paradas de sucesso da época, não fazia parte, até então, dos elementos constitutivos do som do Deep Purple. Made in Europe, marca o melhor desempenho ao vivo e Burn, o melhor de estúdio dessa formação. O disco é todo bom. Nota 10.

Stormbringer, uma recaída

A terceira formação do Deep Purple acabaria um ano depois de California Jam, em 7 de abril de 1975, uma semana antes de Blackmore completar 30 anos de idade. Era a turnê de lançamento do disco Stormbringer na Europa. Com ainda mais balanço funk, o disco desagradou bastante a Blackmore. Metade do disco é bom. Há as boas Hold On, a rapidinha Lady Double Dealer e a funkyada High Ball Shooter, uma festa, além da canção que dá título ao disco, que eu considero a melhor canção do Purple. O resto do disco eu acho fraco. É um disco desigual. Nota 7.

Sem Blackmore - Come Taste the Band, o mais suingado de todos, muito bom

Blackmore já tinha algumas ideias na cabeça, e ao sair já tinha uma nova banda formada: o Rainbow. Decidiram continuar, convidando o guitarrista Tommy Bolin, o primeiro norte-americano a fazer parte do grupo. Com essa formação (Fase IV), gravam Come Taste the Band, ainda mais suingado. A turnê é complicada, um tanto devido aos problemas de Bolin e Hughes com drogas. Mas, é um disco delicioso. Sem quase ninguém da banda original, a banda não perde sua linguagem.Os slides de Bolin e a pegada especial nas cordas do baixo de Hughes dão um gosto diferente e revigorante no tempero da banda. O disco é todo delicioso e suingado. Uma festa. Nota 10.

Retorno fraco em 1984

Perfect Strangers é um disco moderno, bem anos 80, ruim, mas, marca o retorno da formação mais famosa do Deep Purple. Eu, particularmente, não gosto. Nota 4.

Purpendicular e Morse

Façamos justiça à banda. os melhores discos são dos anos 70, mas, com Steve Morse, em 1996, a banda se revitaliza e volta com um disco bom: Purpendicular, com baladas deliciosas, pesadas e hards bem no estilo Purple, trazendo novos elementos, porém valorizando os desafios entre guitarras e órgão que criou a identidade da banda.
Nota 8.

Nota 4: Perfect Strangers;
Nota 6: The Book of Taliesyn; D Purple III.
Nota 7: Shades of DP; Stormbringer;
Nota 8: Fireball; Purpendicular;
Nota 9: Who Do We Think We Are;
Nota 10: In Rock; Machine Head; Burn; Come Taste the Band;

Discografia – Só os melhores:
• Fase I
o Shades of Deep Purple, Setembro, 1968 Nota 6
o The Book of Taliesyn, Dezembro, 1968 Nota 6
o Deep Purple , Novembro, 1969 Nota 6
• Fase II - A
o In Rock, Junho, 1970 Nota 10
o Fireball, Setembro, 1971 Nota 8
o Machine Head, Março, 1972 Nota 10
o Who Do We Think We Are, Fevereiro, 1973 Nota 9
• Fase III
o Burn, Fevereiro, 1974 Nota 10
o Stormbringer, Dezembro, 1974 Nota 7
• Fase IV
o Come Taste the Band, Outubro, 1975 Nota 10

Melhores formações do Deep Purple
Fase I "MK I"
(1968-1969) • Rod Evans - vocais
• Ritchie Blackmore - guitarra
• Jon Lord - teclado
• Nick Simper - baixo
• Ian Paice - bateria

Fase II "MK II"
(1969-1973) • Ian Gillan - vocais
• Ritchie Blackmore - guitarra
• Jon Lord - teclado
• Roger Glover - baixo
• Ian Paice - bateria

Fase III "MK III"
(1973-1975) • David Coverdale - vocais
• Ritchie Blackmore - guitarra
• Jon Lord - teclado
• Glenn Hughes - baixo,vocais
• Ian Paice - bateria

Fase IV "MK IV"
(1975-1976) • David Coverdale - vocais
• Tommy Bolin - guitarra
• Jon Lord - teclado
• Glenn Hughes - baixo,vocais
• Ian Paice - bateria

As obras da Música Elaborada que mais me impressionaram e 20 anos depois continuam me impressionando

2011-04-16T18:55:00.000-07:00

Ravel:
O Concerto para Piano escrito apenas para a mão esquerda – para um oficial que perdera a mão direita na Grande Guerra - é a obra que mais me impressionou dentre todas as maravilhas musicais de Maurice Ravel. É uma gigantesca obra-prima do século XX. Outra peça orquestral notável é La Valse. Mas, em dimensão e grandiosidade, a coisa mais linda e complexa que Ravel já compôs foi Dafnis e Cloé, síntese de toda uma evolução raveliana. Seu Quarteto para Cordas em F maior também é uma obra emblemática; outra síntese de evolução - no caso aqui - em música de câmara. É um quarteto especial que me marcou muito. Outras obras de Ravel que me impressionaram são para piano: Gaspard de La Nuit e seu Piano Trio. Seu famoso Bolero é uma experiência orquestral um tanto quanto peculiar e notável.

Debussy:
Foi na música de câmara minha primeira abordagem impressionista. Ouvi na casa de um amigo a Sonata para Violino e Piano de Debussy e aquilo me pegou pela alma. A linguagem peculiar, habitando um mundo paralelo diferente do nosso, típica do Impressionismo, me deixou uma marca indelével. Há outras obras também impressionantes para piano solo, dos quais destaco Clair de Lune, Arabesque n.1 e La Plus que Lente. Na verdade, o universo pianístico de Debussy é delicioso, tanto quanto seu universo orquestral, coisa rara num compositor. Aliás, este mestre foi o único francês a desbancar a hegemonia alemã na música e superou Berlioz, o mestre maior da França até então; dessa forma, Debussy tornou-se, no difícil século XX, o maior compositor da França de todos os tempos. Marcou-me o balé Jeux e sua criação orquestral La Mer, talvez, sua obra mais madura; uma espetacular sinfonia velada, onde todos os truques e magias debussystas são apresentados de forma generosa e integral. O ambiente marinho nos é apresentado sinfonicamente por um amante do mar. Não me esqueço da perplexidade ao ouvir Syrinx, para flauta solo, pela primeira vez. Entretanto, é uma obra orquestral – e não de câmara - que me convenceu de sua genialidade fora do normal: Prelúdio para a Tarde de um Fauno, o marco inicial e um dos ápices de sua literatura. Claro que Debussy escreveu outras obras interessantes, mas, destaco nesta lista apenas as que mais me marcaram.

Stravinsky:
Este mestre russo que passou pela fase impressionista, classicista e serialista revela muitas facetas com individualidade. Gosto de todas as suas fases, mas, o que fez me apaixonar pela música de Stravinsky foi a Cantata Les Noces. Outra obra que me impressionou a ponto de cair o queixo foi Trehni, também para coro e solistas; ambas as obras construídas sob influência da Segunda Escola de Viena. Seus célebres Balés e Sinfonias são o que Stravinsky tem de mais sério e genial. Além disso, o mestre russo escreveu muita música descontraída, de grande inventividade timbrística, de uma beleza sincera e pura, como A História do Soldado, por exemplo, uma de suas obras que eu elejo dentre as favoritas.

Chopin:
Nada me contenta mais na música romântica destinada ao piano do que as quatro Baladas de Chopin. Do universo poético deste grande artista vale destacar os Prelúdios, os Estudos, os Noturnos, as Valsas, as Polonaises, sobretudo a gigantesca Polonaise-Fantasia op. 61. Mas, nada se compara com os 4 Scherzos e as 4 Baladas.

Mozart:
Este é o maior compositor do período clássico. Pior para Haydn, que foi um gênio, mas, ofuscado, de certa forma, pelo muito mais brilhante Mozart. E Beethoven, para se destacar, precisou superar o universo classicista para não ser esmagado pelo reinado de Mozart. Mas, por que Mozart é tão respeitado assim? Por causa da variedade de gêneros que abordou de forma genial. É o único, junto com Beethoven, que construiu obras notáveis em mais de cinco gêneros. Os outros se destacam em um ou dois gêneros. No máximo, três. Todas as obras mozartianas, em qualquer gênero, são belíssimas. Algumas ligeiras, outras mais elaboradas e algumas até mesmo sérias. As mais elaboradas me chamam mais atenção. Eu sempre coloquei a Grande Missa em C menor como a mais deliciosa obra de Mozart. Desde 2002 tenho pensado diferente; tenho percebido que a genialidade de Mozart está mais impressa em seus seis Quintetos para Cordas que vai do K174 ao K614. Outra obra no gênero quinteto que me assombrou foi o extraordinário Quinteto para Clarineta e Cordas K581. O Divertimento K563 também é uma obra assombrosa (o verbo é esse mesmo...Mozart me assombra! Sua música é divina); o divertimento é outro gênero que ele domina. Além dessas obras de câmara, o que mais me impressionou na música de Mozart foram os Concertos para piano n.20, n.21 “Elvira Madigan” e o de n.24, para mim, o mais assombroso; também as Sinfonias de n.29, n.35 “Haffner”, n.39, n.40 e n.41 “Jupiter”; a Missa da Coroação; a Sinfonia Concertante em Eb maior; e as Óperas Don Giovanni e A Flauta Mágica.

Beethoven:
Muita coisa me impressionou. A começar pelo Concerto Tríplice, que nem música é; parece uma suntuosa ponte ou um imponente arranha-céu. Outra obra gigantesca deste grande compositor é a Sonata para Violino e Piano “Kreutzer”; me diga o que é aquilo? Um gênero que poderia ser visto como menor, pequeno e leve, Beethoven o eleva às alturas da Arte Maior. O que Haydn fez com o gênero Sinfonia, elevando-o às alturas da arte filosófica, Beethoven o fez com as sonatas a due. As Sonatas para Cello e Piano também retratam poder e glória. Todas elas! E, como se não bastasse, de uma forma sem precedentes, o fez com a Sonata para Piano solo; a coleção de Beethoven neste gênero é um corpus artístico dos mais gloriosos da Humanidade. Em primeiro lugar, a Sonata para Piano “Hammerklavier”, mas, há outras sonatas que marcam a vida de qualquer um: as sonatas “Waldstein”, “Tempestade” e “Appassionata”. Como se não bastasse, ainda há as três últimas Sonatas, das quais, a op.111 é a coroa. Obras de uma genialidade sem precedentes. As aberturas orquestrais “Egmont” e Leonore n.3” são inesquecíveis. Os dois Trios op.70 e o Trio op.97 “Arquiduque” também são obras que me impressionaram muito. Não podemos nos esquecer dos Concertos para Piano de n.3 (o meu predileto) e de n.5 (o mais suntuoso). Quero destacar a beleza única de obras como os Quartetos “Razumovsky” e a Sonata para Piano e Violino Op.24 “Primavera”. Veja quantos gêneros Beethoven domina! Outro pináculo que assusta pela genialidade é a Missa Solemnis. Não podemos nos esquecer da sua única Ópera Fidélio. Das Sinfonias, destaco a Terceira, a Quinta, a Sexta, a Sétima e a Nona. Todas são únicas, geniais e incomparáveis. Os elogios não cabem aqui. Beethoven escreveu outros Everest´s, verdadeiros e eternos pináculos da Música Ocidental; são eles: As Variações Diabelli, a Grande Fuga para Quartetos de Cordas, as Bagatelas op.126 e os Quartetos para Cordas da fase final, que muitos consideram sua obra mais hermética e pessoal.

Bach:
Cheguei a uma conclusão em relação a Bach: o que me impressiona mesmo nele são seus concertos e sonatas a due. Claro que sua música coral é gloriosa, são obras sacras perfeitas, escritas de forma celestial. Mas, é na música instrumental que Bach conseguiu sintetizar a escola barroca. Sua música destinada para instrumento solo é de grande interesse para músicos e especialistas...é música um tanto científica e de grande inteligência, mas, nada me impressiona mais que os concertos e sonatas a due. Bach se tornou tão grande, que se alguém se interessar em estudar o período barroco na música, Bach se basta...não é preciso pesquisar mais nada. Ele resume tudo! Impressionei-me com a descontração de todas as suas Sonatas para Violino e Cravo, com o Concerto para dois Violinos em D menor, com todos os seus Concertos para Teclado e, sobretudo, com os Concertos de Brandenburgo. Aquilo não é música; aquilo é uma fábrica de tecido intelectual, rico em tramas e trançados. É um sério bordado musical sem precedentes na música barroca. Genial!

Haendel:
Haendel é muito menor que Bach. Mas, depois de Bach, talvez seja o maior compositor barroco. A verdade é que a obra coral de Haendel é mais acessível e divertida do que a de Bach. Quem não se impressionou com Acis and Galatea, de Haendel? E o Oratório O Messias, então, nem se fala. E o Concerto Grosso n.12, op.6? Essas três obras, apesar de seus oratórios e óperas esplêndidas, foram o que mais me marcaram em Haendel nesses 20 anos de música erudita.

Monteverdi:
Não são tanto suas óperas, nem a obra sacra, mas, o que mais me impressiona em Monteverdi são seus livros de Madrigais.

Vivaldi:
A afirmação de que o padre rosso repetiu o mesmo concerto mil vezes está certa, sim, mas, há que se fazer justiça com este revolucionário italiano. Há concertos de Vivaldi que deixam marcas. São espetaculares. Seja para piccolo, para flauta, bandolim, trompete, oboé ou cello...tudo é marcante e bonito como Veneza. Mas, alguns merecem destaque especial: Os concertos para flauta op.10, por exemplo, são diferenciados. Outro destaque é o Concerto para Piccolo RV443. Dentre os concertos para violino se destaca L’Estro Armonico op.3 e as célebres, mas, nunca enjoativas As Quatro Estações RV269. Fora os concertos, sua música sacra é também deliciosa, donde destaco seu Stabat Mater, o Glória, o Magnificat em G menor RV610, os Motetos, o maravilhoso Dixit Dominus e sua obra-prima sacra não litúrgica Juditha Triumphans.

Brahms:
Há obras de Brahms que eu idolatro e outras que eu não sinto mais vontade de ouvir. Quanto às obras que idolatro para todo o sempre estão todos os seus concertos: os dois Concertos para Piano, o Concerto Duplo e o Concerto para Violino. Neste gênero, Brahms se revela todo suntuoso, poderoso e glorioso. Qualquer que seja sua crença ou gosto, escute esses concertos; é o que há de mais suntuoso e intelectual na vida. Eu simplesmente ignoro as suas sinfonias, mas, estes concertos são o que ele tem de melhor. Além dos concertos, idolatro sua Rapsódia para Contralto, o Requiem Alemão, o Trio com Trompa op.40 e o excelente Quinteto op.111, a minha predileta em música de câmara. O resto é um trecho bom aqui, outro trecho chato ali...na verdade, Brahms não conseguiu transcender o classicismo de Mozart ou Beethoven, como Bach fez com a música barroca e Wagner fez com a música romântica, mas, essas obras em destaque são maravilhas do repertório mundial.

Bruckner:
As sinfonias deste compositor austríaco me marcaram muito pela personalidade, peso, densidade e poder. Destaco as Sinfonias n.4, n.7, n.8 e n.9.
Tchaikovsky:
Considero Tchaikovsky um compositor de terceiro escalão. Mas, é impressionante a feitura do Concerto n.1 para piano. Fiquei de queixo caído. Os Balés de Tchaikovsky são um clássico, mas, suas Sinfonias n.4, n.5 e n.6 são mais notórias.

Mendelssohn:
É outro compositor de terceiro escalão, mas, o célebre Concerto para Violino e a Abertura Hébridas merecem uma exceção. São magníficas.

Béla Bartók:
A música de Bartók é bonita e difícil. Seus quartetos são célebres, mas, não vejo dentre suas melhores obras (ainda!). Quatro obras do mestre Bartók me tiraram do sério – obras de primeira linha: seus Concertos n.2 e n.3 para piano, sua Sonata para dois Pianos e Percussão e, a mais maravilhosa delas, a Música para Cordas, Percussão e Celesta.

Mussorgsky:
Eu nunca me impressionei pelos Quadros de uma Exposição quanto pelas suas Canções e Danças da Morte ou pela Ópera Boris Godunov. A obra lírica do mestre russo me impressionou mais do que sua música instrumental.

Dvorak:
Não sou adepto da música dos tchecos ou nascidos na antiga Boêmia, muito menos da música de Dvorak, mas, seu Stabat Mater é o mais belo que já ouvi e me impressiona a cada audição.

Henze:
O Requiem de Henze, artista genial nascido depois da Primeira Grande Guerra, é uma das obras mais belas e marcantes do mundo contemporâneo.

Obras vocais extraordinárias:
As óperas de Wagner, Bizet e Richard Strauss me marcaram. A Walquíria, Tristão & Isolda, Parsifal, Pescadores de Pérolas, Carmen, Salomé e Elektra. A música de Bizet é mais deliciosa que todas as outras, a de Strauss é mais deliciosa que a de Wagner, este é mais genial.
A Deutsche Sinfonie e o Ciclo de Canções Hollywood Songbook, do compositor Eisler, são obras que me solicitam inúmeras audições prazerosas. É música do mais alto nível do século XX. Marcaram-me também as canções e obras vocais de Chausson, Schoenberg, Britten, Webern e Finzi.

Onde estão as grandes obras de escultura e pintura da Humanidade?

2011-04-14T07:58:00.000-07:00

Seguindo um critério muito simples de considerar a quantidade de páginas reservadas para cada obra e a cidade onde estão as obras-primas mais valorizadas nos livros de História da Arte, realizei uma pesquisa dentre os 15 livros de arte mais respeitados no mundo e cheguei à seguinte conclusão:

As principais obras de arte estão nas seguintes cidades -

Amsterdam e Nápoles – 5 Madri e Munique – 7 Atenas – 8 Berlim – 10 Veneza e Nova York – 11 Viena – 16 Roma – 21 Florença – 22 Paris – 29 Londres – 70

1. Algumas obras-primas são encontradas nos Países Baixos. Amsterdam tem uma média de 5 obras-primas consideradas nos livros de História da Arte, devido ao valor dos pintores flamengos, como Vermeer, Rembrandt e Mondrian;

2. A Grécia, país importante quando se trata de Arte, possui 8 citações importantes na cidade de Atenas, 3 em Olímpia e 2 em outros lugares, devidos aos seus valiosos museus arqueológicos;

3. O Egito, devido ao Museu Egípcio, é lembrado em 2 obras-primas;

4. Outras cidades menos importantes – como S. Petersburgo, Praga e Istambul - só possuem 2 citações em média em seus países nos livros especializados;

5. A Suíça é citada em 7 obras-primas;

6. Mesma quantidade de obras em Madri: 7. Devido à presença de grandes gênios espanhóis da coleção real no Museu do Prado. E mais 2 obras em outros lugares;

7. Mas, o primeiro país europeu que surge como detentor de grande número de obras-primas da Humanidade é a Alemanha. 10 obras em Berlim, 7 em Munique e 12 no resto do país, totalizando 29 obras citadas, em média, nos livros especializados;

8. Outro país extraordinário é a América. Mesmo estando fora do continente europeu, Nova York detém 11 obras indispensáveis para a História, Boston, 2, Chicago, 2, Philadelfia, 2, Washington DC, 2 e no resto do país, 7 obras relevantes, totalizando 26 obras no total, quase alcançando a Alemanha. É notável que Nova York supera Berlim, Madri e Atenas;

9. A China que se diz um império só detém 4 obras históricas em todo o seu território; todas monumentos tumulares e típicos chineses. Nenhuma pintura importante;

10. A Áustria detém extraordinárias 17 obras, sendo 16 em Viena;

11. A Bélgica detém 9 obras por todo o país e 3 em Bruxelas, totalizando 12 obras;

12. Agora vamos aos países recordistas em obras-primas da Humanidade: França. Somente o Louvre, em Paris, é citado 15 vezes, em média, nos livros, superando todos os museus (juntos) de toda Nova York ou Berlim. O Museu D’Orsay, também em Paris, detém 6 citações, devido à fama do Impressionismo. Os outros museus da cidade são citados em 8 obras, totalizando 29 obras-primas só na capital. Um número impressionante! Nenhuma cidade detém tamanha quantidade de obras-primas, exceto Londres. Estávamos falando apenas da capital, mas, considerando as outras cidades francesas, temos 26 obras-primas, totalizando 55 obras essenciais em território francês;

13. A Itália, centro da Arte Clássica, Barroca e Renascentista, aparece em primeira colocada, como país. A Itália é o país mais artístico do mundo. O problema é que Roma, Florença, Nápoles, Vaticano e Veneza detém quase um terço de toda produção relevante da História. As ricas Igrejas e galerias e os ricos museus e palácios de Roma nos presenteiam com 21 obras-primas. Florença supera a capital federal com 22 obras essenciais, devido à quantidade de grandes gênios italianos em Florença. Incrível que uma cidade pequena como Florença detenha quase a mesma quantidade de obras essenciais de uma grande cidade como Paris. A riqueza artística da Itália é espantosa e é construída pelos artistas nativos. Veneza, pequena e serena, é citada 11 vezes, empatando com a imensa, agitada e poderosa Nova York. E os números não ficam por aí. O Vaticano praticamente é um microcosmo de explosão artística surpreendente dentro de Roma. É o menor lugar com mais quantidade de obras-primas de todo o mundo. O Vaticano detém 7 obras essenciais. É muito para um lugar tão pequeno. Nápoles surpreende com 5 obras, Siena com 3, Milão com 3, Pádua com 3, Ravenna com 2 e em outros lugares existem ainda 11 obras-primas. Totalizando 88 obras em todo o país. Impressionante!!!

14. O Reino Unido praticamente empata com a Itália com 82 obras ao todo, mas, o impressionante é que deste total, 70 obras-primas descansam apenas numa cidade: Londres, maior acervo metropolitano em pintura e escultura do mundo. Para se alcançar o numero de Londres seria preciso somar a quantidade de obras de Roma+Veneza+Florença+Louvre= 69...ainda assim falta uma obra para alcançar a capital britânica. Londres detém 70 obras. Para se entender a importância desta única obra que falta, a cidade de São Paulo não é citada nem por uma obra sequer, nem Moscou, nem Tóquio, nem Rio de Janeiro. Mas, apenas na National Gallery de Londres, estão 23 obras notáveis. Atenção: há mais obras-primas nesta única galeria do que em toda cidade de Florença!
O Museu Britânico também é um destino muito concorrido da capital e detém 11 citações. A Tate Gallery, 10 e a Wallace Collection, 6. E não pára por aí...a Victoria&Albert Museum possui 7 obras-primas essenciais. E outras maravilhas em outras instituições, totalizando 70 obras em toda a cidade. É de tirar o fôlego!!! Em outras cidades britânicas destacam-se 12 obras-primas, o que não é pouco.

Resumo paises:
Suíça e Vaticano – 7 Espanha – 9 Belgica – 12 Grécia – 13 Austria – 17 USA – 26 Alemanha – 29 França – 55 Reino Unido – 82 Itália – 88

Resumo cidades:
Amsterdam e Nápoles – 5 Madri e Munique – 7 Atenas – 8 Berlim – 10 Veneza e Nova York – 11 Viena – 16 Roma – 21 Florença – 22 Paris – 29 Londres – 70

Eis onde estão as obras-primas.

Texto original: Denison Rosario

Como definiríamos a importância de uma cidade? E quais as 10 cidades mais importantes?

2011-04-14T07:55:00.000-07:00

Poderíamos levar em consideração as cidades mais populosas do Mundo para julgá-las como as mais importantes; neste contexto teríamos, em ordem, a Cidade do México, São Paulo, Nova York, Xangai, Cairo, Buenos Aires, Tókio, Calcutá, Bombaim, Seul, Los Angeles, Pequim, Rio de Janeiro, Jacarta (Indonésia) e empatando praticamente com a mesma população: Londres, Paris e Moscou; mas muitas cidades relevantes ficariam de fora desta seleção, sendo, portanto, um tanto quanto injusto seu critério.
Poderíamos considerar apenas as cidades dos países mais ricos, influentes e desenvolvidos do Mundo, que, em ordem, seriam Estados Unidos, Japão, Alemanha, França, Itália, Reino Unido, Canadá e Rússia, mas ainda assim estaríamos sendo parciais quanto à seleção. Para definirmos a importância de uma cidade proponho levarmos em conta a atividade humana presente no complexo metropolitano; a atividade humana numa cidade reveste-se de aspectos diversos: políticos, econômicos, culturais, artísticos, esportivos, religiosos, científicos, turísticos, comunicação e transporte.

Às vezes, também uma cidade pode entrar em nossa lista pela sua tradição histórica, mesmo que não seja mais tão influente em nossos dias, como Viena ou Veneza, por exemplo. Vamos considerar agora, inserido neste contexto rigoroso, as cidades mais importantes em todos os continentes, para depois definirmos as 20 cidades mais importantes do Mundo, para, finalmente, chegarmos até as 10 mais importantes, numa seleção restrita.

África - Três cidades são importantes neste continente se considerarmos este critério. Pretória e Bionfonten, na África do Sul e Cairo, no Egito.

América Central - Apenas a cidade de Cuba, em Havana, é importante.

América do Sul – Buenos Aires, Santiago, São Paulo e Rio de Janeiro são cidades importantes.

América do Norte – Montreal e Ottawa, no Canadá e Cidade do México, no país de mesmo nome. Nos Estados Unidos, por ser uma superpotência, várias cidades são importantes neste aspecto: Chicago, Nova York, Los Angeles, Indianápolis, Detroit, Cleveland, Filadélfia, Seattle, São Francisco, Dallas, Houston, Phoenix, San Diego, Miami, Denver, Baltimore, Washington DC, Boston e Memphis.

Ásia – Muitas cidades são importantes na Ásia: Jerusalém, Bagdá, Seul, Ancara. Na China temos Pequim e Hong Kong, na Índia temos Bombaim, Nova Delhi e Calcutá, no
Japão temos Tókio, Nagoya, Osaka, Kyoto e Shikoku.

Europa – Na península escandinava: Estocolmo em primeiro lugar, depois Helsinque, Oslo e Copenhagen;
Na península ibérica: Lisboa e Porto, em Portugal; Madri, Valencia, Andorra e Barcelona, além de Málaga, Córdoba, Sevilha e Zaragoza, na Espanha;
Na península itálica: Vaticano, Roma, Florença, Veneza, Milão, Nápoles e Bolonha.
No resto da Europa: Londres, Manchester, Birminghan, Stuttgart, Frankfurt, Leipzig, Munique, Berlim, Praga, Moscou, São Petersburgo, Bruxelas, Budapeste, Varsóvia, Viena, Amsterdã, Istambul, Atenas, Nice, Mônaco e Paris.

Austrália – A capital da Austrália, Canberra, é uma cidade muito importante, mas a cidade de Sidney se eleva como o foco de atenção internacional e é uma das mais importantes do Mundo.

De todas estas cidades, selecionaremos 20 cidades, apenas:
Nova York, Los Angeles, Chicago, Montreal, Cidade do México, São Paulo, Londres, Paris, Berlim, Milão, Roma, Barcelona, Madri, Viena, São Petersburgo, Moscou, Cairo, Sidney, Tókio e Hong Kong .

As 10 mais:
Nova York, Los Angeles,
Londres,
Paris,
Berlim,
Milão, Roma,
Madri,
Moscou,
Tókio.

Somente os Estados Unidos e a Itália possuem o privilégio de entrarem com duas cidades nesta lista restrita. Se fosse restringir um pouco mais eu deixaria apenas Nova York, Paris, Londres, Roma, Berlim e Tókio.

Denison Rosario

Quem são os mais importantes compositores da Música Erudita, em termos de importância histórica?

2011-04-14T07:53:00.000-07:00

Seguindo um critério muito simples de considerar a quantidade de páginas reservadas para cada compositor, a importância histórica de cada mestre e a quantidade de obras-primas registradas nos livros de História da Música Ocidental, realizei uma pesquisa dentre os 9 livros especializados mais respeitados no mundo e cheguei à seguinte conclusão:

Compositores com nota 1: Bruckner, Dvorak, Kodaly, Purcell, Rachmaninov, Scriabin, Smetana e Hugo Wolf. São bons compositores do nível dos mestres do Jazz, como Coltrane ou Louis Armstrong, mas, com pouca importância histórica para a Música Elaborada;

Compositores com nota 2: Shostakovich, Palestrina, Prokofiev, Saint-Saens, Scarlatti, Tchaikovsky e Telemann. São mestres com uma certa importância histórica de valor nacional e algum impacto mundial;
Compositores com nota 3: Corelli, Couperin, Manuel de Falla, Fauré, Cezar-Franck, Mussorgsky, Puccini, Korsakov, Schutz, R. Strauss e Vivaldi. Mestres com certa influência global, inventivos;

Compositores com nota 4: Gluck, Meldelssohn, Monteverdi, Verdi, Mahler;

Compositores com nota 5: Ravel, Bartók, Berg, Webern, Chopin, Messiaen, Rameau, Rossini, Edgar Varése, Haendel. Mestres universais de influência mediana;

Compositores com nota 6: Brahms, Lully, Schumann, Schubert, Boulez. Mestres que representaram toda uma geração;

Compositores com nota 7: Compositores revolucionários, criaram algo novo: Berlioz, Haydn, Liszt e Stravinsky;

Compositores com nota 8: Compositores revolucionários de altíssimo nível: Debussy, Schoenberg e Wagner;

Compositores com nota 9,5: Mestres da síntese, da aglutinação de toda uma escola: Sebastian Bach e Wolfgang Mozart;

Compositor com nota 10: Beethoven, síntese e antítese de tudo que passou e que viria, nunca superado.

Texto: Denison Rosario

Moda, Cultura e a Sensualidade

2011-01-24T04:05:00.000-08:00

Existem 12 peças da moda, que fazem parte da cultura americana e européia, que são sensuais ao extremo.

O primeiro é a camiseta (T-shirt) que antes era uma peça íntima, que ficava por baixo da roupa, sensual, porque era colada ao corpo. James Dean e Marlon Brando ajudaram a divulgar essa peça como roupa exposta.

A segunda peça é a calça jeans, que foi criada para os mineradores, pois, suas calças de algodão rasgavam com facilidade no trabalho duro, então, a partir de um tecido chamado brim, vindo da Europa, que servia para fazer barracas, os americanos criaram uma calça resistente que seduziu toda a humanidade.

A terceira, quarta e quinta peças são o terno, o smoking e o vestido de gala, que são, por excelência, as roupas finas mais sexys do mundo. Deixam as pessoas que os usa sexy, porque denota poder e sucesso. E não há nada mais sedutor que o poder.

A sexta peça é o espartilho...que serve para afinar a cintura das mulheres, mas, também serve como enfeite do corpo. Sempre sai de moda e depois volta.

A sétima e oitava peças de moda são a bota e o sapato de salto tipo agulha...os pés são partes do corpo que podem ser muito sexys devido ao calçado...o couro dá o tom de sensualidade às botas e basta lembrar da sensualidade que nos revela uma mulher texana de chapéu e botas de cano longo...ou militares usando uniformes e botas de couro. Quanto ao sapato de salto tipo agulha, tecnologia possível apenas depois da Segunda Grande Guerra, onde um fino aço sustenta quase 100 quilos, é a postura que a agulha força a mulher a andar rebolando mais, andar mais elegante, colocar os seios para frente e o bumbum para trás, que os torna interessantes...e não apenas a beleza dos pés levantados.

A nona peça é o colete de couro, também presente na cultura européia e americana...nos faz lembrar motoqueiros e bad boys...é muito sexy.

E a última peça que queria colocar aqui é a lingerie...talvez a peça mais sexy do guarda-roupa feminino...

Eu acrescentaria o biquini e a sunga, apenas, com todas as suas variantes.

COMPOSITORES UNIVERSAIS

2011-01-15T04:01:00.000-08:00

Introdução:

Mestres de países marginais são curiosidades regionais. Não trataremos deles aqui. Mesmo oriundos da Europa, há alguns compositores que fazem parte do repertório mundial como Falla, Grieg, Dvorak, Cezar-Franck, Britten, Prokofiev ou Shostakovich, mas, vamos levar em conta apenas aqueles compositores realmente indispensáveis, aqueles que são universais.

A Europa é a Meca dos grandes mestres da música erudita, todos sabem disso, mas há bons compositores no Japão, Estados Unidos e América Latina...na África não há nada! No resto da Ásia ninguém conhece ninguém que tenha se dedicado à música erudita, salvo alguns malucos na Índia. Na Austrália há alguns mestres modernos que ainda é cedo para julgar, mas com certeza não vão entrar prá história. Quanto aos mestres das Américas e Japão, eles não são universais; representam meras curiosidades nacionais. No Brasil, os maiores nomes são Villa-Lobos e Carlos Gomes, que quase ninguém ouve, mesmo no Brasil, e, com todo respeito, não aparecem na História Universal ao lado de titãs como Wagner, Brahms, Mozart ou Chopin.

Mesmo em toda a Europa não surgiu mais ninguém digno dos mestres do passado. Um dos casos curiosos é o da Holanda, que foi Meca de grandes artistas, mas, não na música erudita. O caso mais curioso mesmo é o da Inglaterra, que exportou grandes nomes da música pop, mas, não há um nome erudito de peso em seu território, apesar do talento de um Elgar, de um Britten ou de um Purcel.
Vamos aos mestres classe A:

1. A Alemanha e a Áustria reinam absolutas:
Os mestres de língua alemã dominam o cenário, desde o surgimento, no período barroco, de dois grandes compositores alemães: Haendel e Sebastian Bach. Depois surgiu a primeira escola de Viena, com Haydn e Mozart. O surgimento extraordinário de Beethoven, alemão que viveu em Viena. Em seguida o período romântico alemão representado por Schumann, Mendelssohn, Brahms e Wagner, esses dois últimos, gigantes da música erudita e a Áustria representada por Schubert, Bruckner e a família Strauss, com suas deliciosas valsas. Entre o Romantismo e a Música Moderna surgiram dois grandes mestres: Mahler e Richard Strauss...e a segunda escola de Viena: Schoenberg, Alban Berg e Webern. Sendo que só estudiosos ouvem esses três últimos. Esses são os principais nomes da música na língua alemã.

2. A Itália detém grandes compositores de ópera em todos os períodos:
Desde o surgimento da música instrumental, em Veneza, cujo ápice é alcançado por Paganini, elaborada em seus primórdios por Corelli e Vivaldi, que a Itália nunca parou de exportar grandes mestres. Vivaldi, por sinal, além de instrumentista, também grande compositor de óperas; em seguida, o reinado italiano da ópera segue com Rossini, depois Verdi, depois Puccini. Esses são os principais compositores da Itália.

3. A França é muito respeitada:
Desde os primórdios com a Escola de Notre Dame de Paris e durante todo o século XIX, quando grandes músicos foram acolhidos pela França, como, p. ex., Chopin e Liszt; mas, seu primeiro grande compositor foi Berlioz, já no período pré-romântico. Há outros mestres ao longo de sua história: Rameau, Messiaen, Saint Saens, Fauré, etc.; mas, o grande compositor da França, capaz de desafiar os maiores mestres alemães é Debussy. E o último grande mestre é Ravel.

4. A Rússia está bem representada com nomes de peso universal:
A Rússia no período romântico nos legou Tchaikovsky, um dos mais respeitados mestres do balé russo e da música sinfônica fora da Áustria. Além disso, deu origem ao Grupo dos Cinco, dos quais Mussorgsky, talvez seja o mais genial e criativo. A Rússia nos deixou também o grande Rachmaninov e, na fase moderna, mestres como Shostakovich e Prokofiev; além do maior e mais versátil compositor moderno: Igor Stravinsky.

5. Outros países europeus:
Os únicos compositores realmente indispensáveis e de importância universal, que não são alemães, austríacos, franceses, russos e nem italianos, são Liszt e Bartók (da Hungria) e Chopin (da Polônia). Só!

Entrevista sobre pintura e música com Denison Rosario

2011-01-10T12:16:00.000-08:00

Uma pequena entrevista sobre música e pintura ( 2002 )
Depois de uma palestra, dei uma pequena entrevista para o jornal universitário.
Eis o texto, na íntegra:

P – Qual o período mais rico da música erudita e da pintura, na sua opinião?
Denison: Eu diria que, em termos elementais, foi o do séc. XVII e, sobretudo, o XVIII. Mas, se levarmos em conta a linguagem pessoal e a diversidade formal, o século XX se revela mais rico. Aaron Copland não concordaria comigo, mas considero os artistas do séc. XX mais pessoais do que os antigos românticos. Eles, os românticos, apenas conseguem conciliar, com mais eficácia, uma linguagem pessoal com um objetivo universal.

P – Século XX, rico? Não se diz que neste século a arte se tornou vazia?
D: Só os cegos enxergam isso. Neste século os paradigmas se multiplicaram.
Os artistas do século passado do séc. XX são os mais personalizados, porque com a fragmentação das idéias após a eclosão das duas Grandes Guerras e o desmantelamento das bases sólidas, com invenções como o cinema, a fotografia e o registro sonoro em discos, os criadores fragmentaram e individualizaram suas idéias. Na pintura do século XX há gênios do nível de um Michelângelo ou Rafael. Henri Matisse, por exemplo, um líder nato, é um Rafael moderno. Picasso, capaz de assustar discípulos, titânico em seu altar, é um Michelângelo moderno. Há outros gênios...Francis Bacon, Franck Auerbach, Willen De Kooning, Paul Klee, Balthus ( morto em 2001 ), Dalí...há mais gênios no séc. XX que em qualquer época, tanto na música quanto na pintura.

P – Na música, talvez não. A Segunda Escola de Viena não assassinou a harmonia?
D: Isso é um absurdo! No séc. XX, a harmonia apenas continuou evoluindo, nada foi assassinado. Em nenhum momento histórico deixou de evoluir. A música de Schoenberg é tão fina, delicada, sofisticada quanto a música de Schumann ou a de Brahms. E igualmente intelectual, sendo que, particularmente, acho mais fácil ouvir obras líricas de Schoenberg do que suas obras instrumentais. Entretanto, apesar da revolução harmônica, vejo-o um criador conservador, herdeiro do romantismo, cheio daquilo que chamo de nostalgia tonal. Criou todo um sistema, mas não conseguiu se desvencilhar do romantismo.
Alban Berg é um romântico maravilhoso. Mas não um romântico piegas. Sua música é de um romantismo desfigurado, que eu adoro. E Webern? Um monstro. Criou um universo particular – comparável ao universo de Debussy – que é só dele. Foi o único da Escola de Viena que conseguiu, de fato, algo novo.
Sua música é atômica, detalhista, você ouve cada timbre, cada acorde é um acontecimento, livre do romantismo. É como o embrião do Universo, a música das esferas. Adoro tudo de Anton Webern, mas tenho consciência que não é acessível a todos. Aliás, gosto desses compositores que criaram um mundo próprio; Satie, Messiaen...o mundo deles é extravagante e particular, mas não é vulgar. Eu me emocionei em conhecer Avignon, no sul da França, onde o espírito musical de Messiaen ainda circula no ar da cidade. Messiaen era original. Eu conheci a filha de Messiaen tentando divulgar a obra do pai na Catedral Basílica de Salvador. É perigoso ser original. Uma pena que as pessoas não se esforcem em conhecer arte moderna, pois só é possível amar algo que se conhece. E as pessoas criticam sem conhecer. E o que me impressiona é que em todas as artes, seja na literatura, no cinema, nas artes plásticas, os jovens tem acesso primeiro ao contemporâneo, depois, com a maturidade, passa a se conhecer as obras dos antigos, dos clássicos. Na música, ao contrário, se prendem ao antigo e pronto. Isso é lamentável. Sabe que eu, aos trinta e poucos anos ouvia obras de compositores eruditos que tinham pouco mais que minha idade?

P – Você disse que o mundo de um Satie ou de um Messiaen não é vulgar. E existe artista vulgar?
D: Claro. Carl Orff, Cage, Glass e Gorecki são exemplos de artistas pequenos, vulgares, picaretas. É possível vermos os concertos de Paganini como algo mais exibicionista do que artístico. Salvador Dalí, em alguns momentos, foi hipócrita. Rodin, também, mas só às vezes. Andrea del Verrocchio pintava mal e Bernardino Luini, apesar de dominar bem a técnica, era uma imitação barata de Da Vinci. Gentileschi também não me convence. Parece um cover do Caravaggio.

P – Há pintores e compositores consagrados que você não goste?
D: Vários. Detesto a linha afetada maneirista de um Rosso, Pontormo, Bronzino...o único maneirista que se salva é El Greco. Não gosto do Neo Classicismo de um Jacques-Louis David, mas já gosto de Ingres. Não me emociono com um quadro de Poussin ou Lorrain, pelo classicismo forçado. O modismo em torno de Monet e Van Gogh é um saco! Eles são bons, mas não são únicos. Acho que a super valorização em torno deles atrapalha a apreciação. Nunca vi beleza em Goya, confesso. Não gosto das paisagens de Constable. Gentileschi pinta bem, mas é uma imitação barata de Caravaggio. Não suporto pintura Rococó, só se for de Boucher ou Tiepolo. E descarto todos os românticos, menos Delacroix e Turner. Pintura abstrata, nem pensar. Dos compositores, não gosto de Prokofiev, Cezar Franck, Sibelius, Grieg, Hindemith, Janacek e Martinu...Mendelssohn é bom, mas não oferece nada de novo. Acho a estrutura de Dvorak desigual. Fazer o que?

P – O que acha dos românticos?
D: Seja na música ou na pintura, a arte romântica é, muitas vezes, afetada, excessiva, desequilibrada. Essencial historicamente, mas não faz meu tipo ouvir horas e horas de Schumann ou Mendelssohn. Prefiro os românticos avançados, desfigurados: Wagner, Mahler, Berg, Debussy, Liszt ou Chopin. Quanto a Brahms - essa mistura perfeita de Schubert, Beethoven e Schumann - não vou colocar no meio, pois é inclassificável.
Gosto de música avançada. O Barroco é avançado, o Moderno é avançado, o Romantismo inicial, não. Assim como o período clássico também não é avançado. Na pintura também não prefiro os românticos. Fico com os modernos, renascentistas e barrocos, apesar de, por ironia, um dos quadros que mais me intriga é do pintor romântico Géricault, A Jangada do Medusa.

P – Disse que não gosta da pintura Neo Clássica. E gosta de Música Clássica?
D – Não. Desprezo todos os compositores deste período, com três exceções. Apenas idolatro Mozart, Beethoven e respeito Haydn. E só. Haydn, gosto de tudo, mas não me empolga tanto quanto Mozart, que possui uma música graciosa, fora do normal, se destacando de tudo que fosse de seu tempo. Beethoven é o meu compositor predileto e não é clássico - como dizem - ele é inclassificável. Apenas sua primeira fase é clássica. Pena que ele nasceu no período clássico, pois se tivesse sido do séc. XX teria mais liberdade ainda.
A pintura neo-clássica também não me interessa; sua retidão, sua imitação grega e sua pretensão em vão não funcionaram. Tanto a escola pictórica quanto a musical não durou muito, pois são mais retrocessos do que evoluções. A música Clássica, para evoluir, precisou retornar onde Bach e Haendel pararam.

P – E a música e pintura antiga? O que acha?
D: Parece tudo igual, mas não é. Nas artes plásticas, Giotto chama a atenção pela originalidade, ainda no período gótico, abrindo as portas para a Renascença. Sassetta e G. Bellini são gênios do séc. XV que profetizam a pintura surrealista e ingênua de um H. Rosseau. É uma época de descobertas, carregada de ingenuidade e de beleza, com exceção de Bosch. Gosto de Michelangelo mais como escultor, na pintura fico com Rafael e Da Vinci. Os italianos são notáveis, mas não podemos nos esquecer da Europa Setentrional de um Holbein ou Campin, além de outros artistas internacionais; todos descobriram técnicas e estilos. É arte muito bela, mas é preciso não se prender à beleza gótica, renascentista e barroca apenas. Há muita genialidade depois da Primeira Guerra.
Na música, o canto a capella parece tudo igual, mas há diferenças. Eu ouço coisas avançadas em um Gesualdo. Palestrina e Josquin De Prèz são distintos também dos outros. Ockeghem e Monteverdi são inventores gigantescos.
A música antiga pertence à Inglaterra, Itália, França, Holanda e só.

P – O que acha da pintura abstrata?
D: Piet Mondrian tem um estilo que evoluiu naturalmente para o abstrato, que eu respeito e admiro. Turner, ainda no romantismo, já era um abstrato, sem intenção de sê-lo, e eu o considero um dos cinco maiores pintores de toda a História. Os impressionistas e cubistas tendiam para o abstrato, e eu gosto deles. Mas, em se tratando de arte abstrata mesmo, não gosto. Prefiro o figurativo. É mais humano. Gosto da divagação abstrata na poesia literária, mas não admiro na música ou na pintura.

P – E quando música e pintura ficam submetidas a textos literários?
D: Na pintura acho que funciona. Mas na música é meio estranho. Acho mais sincera a proposta de Saint Saens ou de Brahms, mestres que odiavam submeter suas obras a textos literários, do que as idéias ilusionistas de Liszt ou Berlioz, que tentam adaptar textos. Aliás, uma das maiores vitórias do séc. XX foi retornar à idéia do séc. XVIII de música pura, sem influência de textos.
Quando ouço Liszt, R. Strauss ou Berlioz, prefiro nem saber em que texto se basearam, até porque é uma ilusão mostrar em música uma idéia literária. Isso funciona na ópera ou no balé, que por sinal, prefiro ver ao vivo a ouvir em Cd’s. Aliás, é inviável OUVIR óperas. Balé até se passa por poema sinfônico numa audição, mas ópera não dá. Só vendo mesmo.

P – O que gosta no Barroco?
D: Na pintura, idolatro Caravaggio, Rubens e Rembrandt. Já não gosto muito da escola Rococó e do Maneirismo, que são parentes do Barroco. Na música, o ápice, para mim, é a música vocal de Haendel e a música instrumental de Bach. Não é toda hora que estou disposto a ouvir a obra coral comportada de Bach, mas sua música instrumental é a melhor. Com Haendel, é o contrário.
Fora eles, gosto da obra, não importa o gênero, de Vivaldi, mas tenho consciência de que é um compositor que não evoluiu. Criou algo novo e parou ali, como a maioria dos italianos.

P – Quais os compositores que você gostaria de ter a obra completa para ouvir?
D: São poucos. Vivaldi, Mozart, Beethoven, Saint Saens, Chopin, Debussy, Stravinsky, Ravel e Webern. Gosto de qualquer coisa deles. Compositores como Haydn ou Berlioz, gosto de tudo, mas não justifica investir na obra completa.
Dos outros compositores gosto de parte de suas obras. Por exemplo, como disse, gosto do Bach instrumental e do Haendel vocal. Admiro as óperas de R. Strauss e as obras de Liszt, mas não tenho prazer em escutar seus poemas sinfônicos.
Adoro as canções e obras líricas de Mahler, Britten, Finzi e Fauré, mas suas obras puramente instrumentais não me gratificam intelectualmente, com exceção das Sinfonias de Mahler, que são maravilhosas. Falando em sinfonias, admiro muito as Sinfonias de Bruckner, dos quais tenho todas disponíveis para ouvir. Gosto de algumas obras de Brahms, mas não tudo, sendo que as obras dele que gosto, amo mesmo, prá valer. O mesmo não ocorre com Schumann, Wagner, Mendelssohn, Schubert ou Tchaikovsky, que gosto de algumas poucas obras, mas não me enchem os olhos. Estou sendo sincero. Da obra de Shostakovich só gosto dos concertos. Outra coisa...gosto da música orquestral de Bela Bartok, mas acho desagradável toda a sua música para piano solo e para dois instrumentos. Não é que não entenda, acho chata mesmo. Gostaria de ter todos os cadernos de madrigais de Monteverdi. Um tesouro! A obra para teclado de Rameau e Frescobaldi. As sinfonias de Bruckner e Nilsen para mim são as melhores já escritas depois de Beethoven.

P – E qual a sua relação com Beethoven?
D: Gosto de tudo que escreveu. E olha que são obras bem diferentes umas das outras. Destaco aqui as sinfonias ímpares, a partir da Terceira, o concerto Tríplice, os concertos p/ piano 3, 4 & 5, as Variações Diabelli p/ piano, as Sonatas p/ piano A Tempestade, Appassionatta, Hammerklavier e a op. 111, a Missa Solemnis e os últimos quartetos. Tenho tudo de Beethoven. Até mesmo um busto dele em minha sala, como Brahms tinha.

P – E Mozart?
D: Eu me impressionei com a música dele, mas depois deixei de lado. Enjoei. Achei que era tudo igual e tal. Só deixei reservada a Grande Missa em Cm como a obra máxima de Mozart, a que eu mais respeitava. Depois de muito tempo descobri seus quintetos e minha visão de Mozart deu uma reviravolta. Passei a escutar a sua obra em geral com admiração renovada. Voltei a me apaixonar por tudo de Mozart. Destaco seus quintetos em geral, a Missa em Cm, as sinfonias 25-41, Don Giovanni, Flauta Mágica, os concertos p/ piano 18-27, os concertos p/ instrumentos de sopro, a Sinfonia Concertante, as sonatas p/ piano mais maduras e suas sonatas para violino e piano. Não é muita coisa?

P – E Debussy, Stravinsky, Ravel?
D: Os outros que citei como os que gosto de tudo, gosto de tudo mesmo. Vivaldi é gostoso de se ouvir em qualquer gênero. Webern, Ravel, Saint Saens e Chopin não destaco nada. Tudo é bom. Adoro a clareza da música de Saint Saens, apesar de admitir que ele não é tão genial, mas Vivaldi também não é um Bach e eu prefiro ouvir tudo de Vivaldi; nem tudo de Bach eu estou sempre disposto a ouvir. Quanto a Ravel, ele é um mágico dos sons. Trabalha com as notas como um mago-cientista trabalha com suas soluções químicas. Quero destacar obras de Stravinsky, que considero um gênio titânico. Sua ambiciosa invenção, de cunho sacro, Trehni é a obra dodecafônica mais maravilhosa que já ouvi, seus diversos concertos, sempre alegres, suas sinfonias, que são obras mais profundas e sérias, a divina obra lírica Les Noces, o Poema Sinfônico Canto do Rouxinol, que me solicita inúmeras audições, seus balés são belíssimos e revolucionários, sua obra para piano solo é digna de Ravel, sua obra coral é linda, a sua música cênica História do Soldado é mágica. Como não gostar de um gênio desses com tantas obras-primas?
Entretanto, Debussy foi o compositor que mais me envolveu em sua beleza estranha. Admiro igualmente sua obra para piano, orquestral, lírica ou de câmara. Isso é raro de ocorrer...eu gostar de todos os gêneros de um compositor. Ele criou a música moderna. E foi o único francês a se situar no mesmo patamar dos compositores alemães dos séculos anteriores a ele; logo, Debussy quebrou o círculo vicioso da hegemonia alemã sobre a música feita na Europa.

P – E a música espanhola, russa, americana, brasileira...?
D: Após pesquisas mais aprofundadas, descobri jóias na música espanhola. Compreendo mais hoje a música de Manuel de Falla e não o vejo como dependente de Debussy. Assim como Ravel, ele conseguiu se desvencilhar do Impressionismo nebuloso. Mas acho que Ravel e Bizet fizeram música espanhola tão bem quanto os próprios espanhóis. Acho que Falla é o representante mais digno da Espanha e não gostaria de comentar os outros. A América tem ótimos compositores, mas não comparáveis aos europeus. Suas orquestras são melhores que os criadores.
Os russos tentaram de tudo para se desvencilhar da hegemonia musical alemã e criaram algo interessante, mas não tão sólido. Mussorgsky é o mais genial nesta tentativa de liberdade. Gosto muito de sua música. Gosto também dos concertos de Shostakovich, algumas obras de Tchaikovsky e idolatro Stravinsky. Borodin, se não tivesse se dedicado tanto a outras atividades, teria sido o melhor compositor daquele país. O triunfo deles foi aprofundar dramaticamente o balé francês. E o Brasil...bem, você acha que Villa-Lobos pode ser comparado com um Debussy? Mignone com Chopin? Carlos Gomes com Wagner? Você compara Padre José Maurício com Bach? Bem, deixo para você a resposta.

P – E os pintores preferidos?
D: Caravaggio é o maior. Coloco no Panteão também Tintoretto, cuja obra conheci em Veneza e fiquei espantado, Correggio, Velazquez, Da Vinci, Rubens, El Greco, cujas linhas e traços me deixaram atônito em Madri e Toledo, Carracci, Cezanne, Rembrandt, Matisse, Picasso, Balthus, Robert Campin, Delacroix, Tiepolo, Ingres, a luz num quadro de Vermeer ou de Pieter Saenredam é coisa divina, mas gosto também de Boucher, Sargent, Turner, Millet, todos os impressionistas, pós-impressionistas e os modernos não-abstratos em geral. Se tivesse que escolher os que mais me emocionam, escolheria, a dedo, Vermeer, Caravaggio, Da Vinci, Turner, Toulouse-Lautrec, Tintoretto, Balthus e Rubens.

P – Gosta de Instalações, de música conceitual, eletrônica, ruído?
D: É bonito e chama a atenção, mas é como a Pop-arte; é efêmera, volúvel, cotidianiza demais a arte. É uma novidade maravilhosa na primeira noite, depois é algo digno de se esquecer. Vale pelo momento de vernissage. A música eletrônica, ruído, música de colagem, me lembra coisa de DJ de discoteca. Gosto de presenciar os artistas de hoje desafiarem os artistas do passado com partitura, notações normais, claves normais, tela, pincel e tinta. Isso gosto de ver.
Denison Rosario

Sobre Orlando

2011-01-03T04:05:00.000-08:00

Orlando, esta peça espetacular, toda em rima, escrita por mim nos anos 90, é uma obra-prima. Belíssima e de história encantadora, conta a trajetória de um criado chamado Orlando, numa mansão burguesa, na Bahia. A peça toca no assunto dos sem-terra, da reforma agrária e trata do preconceito entre classes, além de tratar de um assunto delicado como a cegueira.

O forte de Orlando é a forma de a história ser contada, toda rimada, rica de uma beleza dantesca. E também de a peça destilar a cultura baiana de uma forma genuína, como só Jorge Amado fez no passado. Mas, a influência aqui não foi Amado, foi, sobretudo, a Divina Comédia. E Shakespeare, também.

Foi publicado em 2010, apesar de ser da década de 90. Só houve uma encenação no Vila Velha, em Salvador, mas, negociações em trâmites, decidirá uma encenação em Cingapura ainda este ano. O presidente da Unibook adorou o livro e pretende montar a encenação, do qual terei direito a 6% dos lucros. E, segundo consta na editora, pouco mais de 200 pessoas já adquiriram o livro (em inglês); a versão original em português só vendeu 5 exemplares até o momento (3 de janeiro de 2011).

http://www.unibook.com/Denison-Souza-do-Rosario/Orlando-(english)

os melhores discos de Caetano Veloso

2010-12-24T12:32:00.000-08:00

Os melhores discos de Caetano:

Os mais comerciais e agradaveis são três:

Cinema transcendental (Lua de Sao Jorge, Oração ao tempo, Beleza Pura, Menino do Rio, Trilhos Urbanos),

o disco Estrangeiro (O Estrangeiro, Meia Lua inteira, Os outros romanticos, Jasper)

e Bicho (Odara, Leaozinho, Um indio, Two Naira Fifty Kobo, Gente, Tigresa);

Os mais experimentais:
Araça Azul é o mais experimental e psicodélico. Depois vem Joia e Transa, formando uma tríade experimentalista absurda, não deixando espaço para música tocável em rádio. São discos para serem degustando por inteiro. Discos conceituais.
Noites do Norte é muito doido também. Também um disco sem um hit; disco para se ouvir por inteiro.

Os que juntam as duas caracteristicas; experiência musical e comercialismo:

Velô é o melhor disco que mistura o experimentalismo de Caetano com sua capacidade de fazer musica comercial. Aqui estão músicas geniais, como Língua, Podres Poderes, Pulsar, O Quereres e Shy Moon.

Outro disco nessa linha é Cê, que tem como vitória não possuir nenhum hit adorável, mas ser um disco psicodélico ouvível. Gosto muito de Rocks e Herói.

E tem também o aclamado disco Circuladô nessa mesma linha.

Clássicos como Superbacana, Tropicália, Alegria, alegria e Soy Loco por ti America do primeiro disco de Caetano, de 1968, fazem desse disco um dos melhores dele.

Merece nosso crédito aqui também o disco Fina Estampa, onde Caetano resgata canções em espanhol.

Fora esses discos, os meus prediletos, tem uma ou outra canção de Caetano que acho interessante em outros discos, tipo as canções Eclipse Oculto, Sampa, A Luz deTieta, Luz do Sol, Livros, Não Enche, Outras palavras ou Você não me ensinou a te esquecer

RE-ASSISTI HOJE BROADWAY DANNY ROSE

2010-12-24T10:35:00.000-08:00

Assisti hoje no Telecine Cult pela segunda vez a Broadway Danny Rose, de 1984. Há décadas não via a esse filme. É muito legal o roteiro...a historia de um agente de talentos que é enganado pelo cantor italiano e pela sua amante é muito legal.

Outro filme muito bom, de Woody Allen, que envolve a máfia, é de dez anos depois: Tiros na Broadway, de 1994.

Resumindo, Woody Allen...os anos 60, já vi todos os filmes, são muito pastelões. Não gosto.

1. Os melhores filmes dele da década de 70 são 3 apenas:

Noivo neurótico, Noiva nervosa, de 1977, em primeiro lugar.
Depois, Manhattan , de 1979 e Tudo que você queria saber sobre sexo, de 1972.

2. Nos anos 80, sua melhor fase:

O melhor filme é Hanna e suas Irmãs, de 1986.
Mas, é uma década repleta de obras-primas: Broadway Danny Rose é dessa época...de 1984. Tem também A Rosa Púrpura do Cairo, de 1985...um filme poético, muito bem feito.
Além de A Era do Radio e Setembro, ambos de 1987;
A Outra, de 1988, é um dos meus prediletos;
Crimes e Pecados, de 1989 e Memórias, de 1980; só vi esse filme uma vez e adorei.

3. Anos 90:

É a época de filmes excelentes e bem aceitos na crítica, como Maridos e Esposas; Simplesmente Alice; Tiros na Broadway (prá mim, um dos melhores de todos os tempos, parecendo um pouco com Broadway Danny Rose);
Desconstruindo Harry; Celebridades;
Poucas e Boas (prá mim, a última grande comédia de Allen, feita em 1999, as mulheres adoram este filme...adoram...arrisque assistir com uma);
Mas, também é a década de Todos Dizem eu te Amo, o primeiro e único musical de Woody Allen. Eu acho muito bem feito.

Novo Milênio:
Allen caiu muito aqui nesta década. Ele está tão fraco quanto nos anos 60. Talvez apenas um filme de 2005 se salve: Matchpoint (Ponto Final); é um drama bem construído e bem dirigido. Eu gosto.

A quem interessar, o link de uma bela crítica do filme Broadway Danny Rose.

http://mais.uol.com.br/view/1hjuf7gjt6ko/sugestao-do-critico-broadway-danny-rose-04029A3964D8A113C6?types=A&

Denison

SOBRE A OBRA DE DJAVAN

2010-12-13T11:41:00.000-08:00

Luz e Seduzir, os melhores discos de Djavan
Conheci Djavan, através de meu irmão Deilton, nos anos 80, graças aos discos Luz e Seduzir. Sempre fiquei fascinado por esse disco: Seduzir! O melhor disco jamais gravado por um nordestino. Aqui, Djavan cria uma obra-prima à altura de um Luiz Gonzaga e prova ser um gênio da MPB. O que me fascina é a mistura bem feita de jazz, samba e música africana. Os ritmos sincopados e melodias quebradas, os instrumentos inusitados e as letras geniais, além, é claro, da notória voz do mestre alagoano. O próprio Djavan escreveria em seu encarte: "O pouco que aprendi está aqui. Pleno. Dos pés à cabeça".
O disco Luz é ainda hoje o disco que mais contém hits de Djavan e, com certeza, é o melhor disco dele, junto com Seduzir. Foi gravado nos Estados Unidos.
Lilás, o pior de todos
Lembro que quando Deilton apareceu com o disco Lilás, logo em seguida, eu me decepcionei com Djavan. Não identifiquei aquela pureza que existia em Seduzir. Senti que Djavan havia se deixado influenciar por ritmos diversos demais e, sobretudo, o funk tornou sua música mais comercial. É um disco muito eletrônico, nada regional, nada acústico, gravado nos Estados Unidos também e quase nada brasileiro. Eu não gosto de Lilás e minha falha foi deixar Djavan de lado durante muitos anos devido àquele péssimo disco.
Meu Lado, um retorno ao Brasil
Se eu tivesse conhecido Meu Lado, o disco depois de Lilás, não teria parado de pesquisar Djavan. Esse disco foi gravado no Brasil. Meu lado, além do retorno, é também um recomeço. Uma volta ao samba, já com estilo musical identificado pelo público, mas também um passeio por baiões, canções e baladas. Jogada inteligente de Djavan. Não há nenhuma música em destaque, assim como seu disco Novena, mas, é um bom disco. Não é marcante, mas, há um retorno à língua africana. É um disco sincero, coisa que Lilás não é. Só conheci recentemente. O disco que veio a seguir Não é Azul, mas é Mar não é um disco memorável. Djavan só iria chamar de novo atenção com seu disco Oceano.
Os primeiros três discos de Djavan
Agora, passado bastante tempo, pesquisando sobre o antigo mestre alagoano, descobri sua fase inicial, um pouco mais imatura, mas, tão boa quanto o disco Seduzir.
Foram três discos espetaculares lançados antes de Seduzir, meu disco predileto de Djavan, junto com Luz. Os três discos foram Djavan de 1976 e outro disco com mesmo nome de 1978. O terceiro é Alumbramento, um disco espetacular.
No primeiro disco está um grande carro-chefe...uma música que mostra de cara para quê ele veio...Flor de Liz, um samba marcante...memorável!!! Fato Consumado também é uma obra marcante. Na verdade, os três discos iniciais de Djavan são magníficos e bem sambísticos. Merecem ser conhecidos de seus fãs.
O segundo disco, mais maduro que o primeiro, nos apresenta a canção de abandono Dupla Traição, que já é um ensaio para obras-primas como Morena de Endoidecer e Faltando um Pedaço, do excelente disco Seduzir. Um disco agradável.
No terceiro disco, chamado Alumbramento, há as primeiras obras-primas realmente sérias de Djavan...obras magníficas como Meu Bem Querer, Alumbramento e Lambada de Serpente. Na faixa de abertura Tem Boi na Linha já percebemos o Djavan de Seduzir. Este disco também inaugura o hábito de Djavan de compor em dupla.
Percebi que esses três discos iniciais, junto com Luz e Seduzir, formam a fase clássica de Djavan, a que mais me identifico.
Oceano 1989
Mas, não é só de passado que vive a genialidade de Djavan. Discos maravilhosos depois do fraco Lilás foram lançados nos anos 80. Oceano é um disco quase perfeito...Curumim, a faixa de abertura, talvez seja a canção mais genial de Djavan, digna de estar no disco Seduzir...a faixa Oceano fez muito sucesso...é comercial, mas, é uma música belíssima e bem feita. Em Corisco, percebemos o Djavan dançante, comercial demais, típico de Lilás...que eu, particularmente, não sou muito fã. A faixa Cigano é bem experimental, apesar de dançante; acho uma bela faixa. Aquela bela mistura de samba com jazz está lá presente na faixa Avião. É um disco meio bom, meio fraco...Mal de mim, por exemplo, é uma boa balada no estilo Djavan.
Coisa de Acender 1992
Um disco sério, nublado...a primeira faixa já revela a nebulosidade do disco inteiro. Um disco maduro. Nunca Djavan começou um disco com uma música tão outonal. Não é à toa que há uma faixa chamada Outono . E as faixas seguintes seguem essa linha. Somente em Baile, uma música dançante, o clima frio é cortado. Mas, Baile é uma canção fraca. A faixa Linha do Equador é bela e tocou muito no rádio, e foi feita em dupla com o genial Caetano Veloso. Eu gosto deste clima outonal de Coisa de Acender, esse disco introspectivo...apesar da faixa Se..., que eu considero a pior música que Djavan já compôs.
Novena 1994
Mas, é Novena o melhor disco dos anos 90 de Djavan. Diria até que é o terceiro melhor disco, depois de Luz e Seduzir. O disco todo é genial e há pouco o que se falar. O primeiro inteiramente composto, produzido e arranjado por ele. Aqui há uma volta às suas origens e surge uma música mais sincera, menos comercial, sem precisar deixar as boas influências americanas. É um disco genial, genial mesmo. Diria até intelectual. A faixa Avô é uma das faixas mais sérias e de letra mais rica de Djavan. Disco experimental, genial. Foi o único Cd de Djavan que comprei. Tomei um susto quando ouvi essa obra-prima. É emocionante ver Djavan voltando a fazer boa música de novo.
Malásia 1996
É o predileto de Aline. É um disco perfeito. Todo agradável. É o primeiro disco que Djavan grava músicas que não foram composta por ele. No caso aqui são três músicas de outrem. É um ensaio para o disco Ária, que ele grava só com músicas dos outros. As músicas que foram composta por Djavan em Malásia são sóbrias, maduras, serenas. Mesmo uma música dançante como Deixa o Sol Sair, se revela, aqui em Malásia, menos comercial, menos dançante e mais pensante. Um samba funkiado sofisticadíssimo. A faixa experimental Malásia resgata a africanidade em Djavan, de Seduzir. Mas, aqui a sofisticação psicodélica vai longe. Mesmo a última canção Tenha Calma é uma obra espetacular. Aqui neste disco o naipe de metais foi acrescentado de forma espetacular à banda. Se tornou o meu quinto disco predileto de Djavan. Nada mais a acrescentar desta bolacha djavanesca que corre naturalmente como uma correnteza (título da canção de Tom Jobim que está neste disco).
Milagreiro, raíz total
Depois de Bicho Solto, um disco dançante e fraco, e depois de finalizar o século XX com um merecido AO VIVO, Djavan lança aquele que eu considero o quarto melhor disco de toda sua carreira. Milagreiro é um retorno musical à sua Alagoas, mas, também foi gravado lá. É o disco mais puro e genuino de Djavan. Uma afirmação de sua nordestinidade.
Depois de Milagreiro, apenas a confirmação de seu talento
Os discos lançados no século XXI, depois de Milagreiro, apenas confirmam o talento de Djavan e sua independência, uma vez que agora a gravadora é sua. Mas, não vem em nada acrescentar o que foi feito anteriormente.

Os melhores:
1. A fase Clássica – 5 primeiros discos
Com destaque para Seduzir e Luz
2. Novena
3. Milagreiro
4. Malásia
5. Coisa de Acender
6. Oceano

O LIMITE DE EXPRESSÃO DE QUEM LÊ POUCO

2010-11-28T15:48:00.000-08:00

O ser sociável é construido a partir da palavra. Se ele não mantém o hábito de leitura, ele não vai saber reivindicar, nem convencer, nem argumentar de forma eficiente. O sujeito que não lê possui menor gabarito, portanto, menor leque de opções de palavras para a sua exposição oral.

Não ter leitura é limitador. Saber escrever, ler e falar, liberta. O brasileiro precisa adquirir o bom hábito da leitura, como acontece em cidades como Buenos Aires, Madri ou Paris...onde a quantidade enorme de pessoas lendo qualquer coisa nas ruas, nos metrôs, nos cafés, assusta.

Um país melhor se faz por pessoas que tem o hábito de ler. Pois, daí surge o falar melhor, o escrever melhor...o ler cada vez melhor.

Os lugares mais interessantes para se visitar - para pessoas ligadas à cultura, literatura, música e artes plásticas

2010-03-10T12:06:00.000-08:00

Em primeiríssimo lugar, a Itália.

E por quê?

Porque lá estão Roma, Florença e Veneza. É preciso que se saiba que, para a alta sociedade européia (sobretudo inglesa e francesa), a educação de um nobre jovem ou de um artista de talento deveria, obrigatoriamente, incluir uma temporada nestas três cidades. Mas por quê? O que elas têm demais?

Roma:

Primeiro, Roma sempre foi a capital da ópera;
Segundo, Roma é o maior arquivo vivo a céu aberto da arte clássica, pois foi capital do Antigo Império Romano. Será sempre referência, quando se trata do estilo clássico;
Outro motivo...Roma é uma das capitais cinematográficas mais respeitadas do mundo;
Roma é o berço da arte barroca, portanto os maiores exemplos do gênero estão em Roma;
Roma abriga o Vaticano. Os papas foram os maiores mecenas artísticos por muitos séculos;
Roma tem o maior acervo renascentista de todo o mundo, depois de Florença.

E por que Florença é um dos lugares mais interessantes para pessoas ligadas à cultura, literatura, música e artes plásticas visitar?

Simplesmente porque Florença foi o berço do Renascimento nas artes e do Humanismo.

E por que Veneza?

Primeiro, porque Veneza criou a Bienal Internacional de Arte. Todo mundo imitou;
Segundo, porque a música erudita instrumental nasceu em Veneza;
Outro motivo...Veneza criou o primeiro Festival de Cinema. Todo mundo imitou;
Em Veneza estão os maiores violinistas do mundo;
Veneza é o único sítio italiano onde o medieval gótico não imita o estilo francês, portanto a arquitetura gótica está representada de forma original, ou seja, da forma veneziana;
A luz de Veneza é diferente de qualquer outro lugar e isso sempre atraiu inúmeros pintores;
Depois...em Veneza nasceram os maiores artistas maneiristas italianos.

Em segundo lugar, Paris.

E por que Paris?

Porque em Paris – na escola de Notre Dame - nasceu o contraponto musical;
Porque Paris é a cidade mais visitada do mundo. Todo mundo quer ver Paris;
Outro motivo...Paris sempre foi a capital da literatura. Todo grande escritor quer escrever em Paris;
Porque, no século XIX e primeira metade do séc XX, Paris tomou a coroa da Itália e se tornou o centro cultural da Europa, onde todas as escolas artísticas importantes nasciam;
Porque Paris é um centro cinematográfico mundial respeitado, foi o berço do cinema;
Outra...Paris foi centro de importantes discussões entre intelectuais de ponta;
Por que Paris? Porque Paris foi berço da arte gótica, durante a Idade Média;
Porque em Paris está o Louvre, o maior e mais completo museu do mundo.
Porque em Paris nasceu a fotografia. Inclusive, a fotografia como arte;
Porque Paris é respeitada como centro musical importante, onde o balé, a música de cabaré, os poemas sinfônicos e os recitais de piano mais importantes foram apresentados primeiro.

Em terceiro, Londres.

Por quê?

Porque em Londres, apesar de seus artistas não serem tão criativos quanto os italianos e franceses, nasceu o espírito investigativo, as expedições em busca de obras-primas, etc. O resultado disso é que Londres abriga importantes museus indispensáveis para maior compreensão da História da Arte, como o National Gallery, o Museu Britânico e o Tate Gallery, por exemplo.
Porque em Londres a música coral atingiu o seu ápice;
Porque Londres é uma grande capital da música. Suas orquestras são respeitadas no mundo inteiro e seus musicais só perdem para os da Broadway;
Porque Londres foi berço de uma revolução social que a colocou em lugar destacado no gênero da música pop de alto nível, gerando bandas como The Beatles ou Rolling Stones;
Porque Londres sempre foi rica, poderosa, investigativa e educada, logo atraiu artistas de alto gabarito, como Haendel, Tintoretto, Haydn, etc.

Em quarto lugar, Nova York.

Por que Nova York?

Porque Nova York se tornou o centro do mundo depois da segunda guerra mundial, mas já possuía prestígio desde o século XIX. Ser o centro cultural internacional atraiu todos os grandes artistas e intelectuais do mundo para a sua ilha;
Porque Nova York abriga a Broadway, líder absoluto em musicais;
Também em Nova York, depois de Pollock e da Pop Art, as escolas mais importantes surgiram lá e não mais na Europa apenas;
Por que Nova York possui museus, como o Metropolitan e o Moma, importantes para a compreensão da História da Arte;
Porque a maioria dos filmes do mercado mundial é filmada em Nova York;
Porque em Nova York se encontra de tudo em literatura, cultura e arte;

Quais outros lugares são interessantes, além destes antes citados?

Viena (Áustria), por ter sido centro mundial da música erudita por todo o século XVIII, XIX e primeira metade do séc XX, gerando a célebre Escola Clássica e a segunda escola de Viena, chamada de Dodecafônica, atraindo todo e qualquer compositor de alto nível;
Também porque Viena não se industrializou, portanto manteve-se uma cidade palaciana, manufatureira, pitoresca e voltada para a cultura e as artes;
Também porque os museus de arte de Viena guardam tesouros importantes para a compreensão da História da Arte mundial.

Atenas (Grécia), devido à cultura e arte gregas.

Cairo e Alexandria (Egito), devido à cultura e arte dos antigos egípcios.

Ravena (Itália), porque é o berço da arte cristã primitiva no Ocidente, sendo o maior acervo de mosaicos do mundo e da arte bizantina fora da antiga Constantinopla;
Em Ravena também se tem exemplares magníficos e raros da arte medieval românica presentes na arquitetura religiosa.

Washington DC (USA), porque toda a cidade é um grande exemplo da arquitetura neoclássica e abriga o mais importante museu da América: o National Gallery de Washington, com obras-primas fundamentais para a compreensão da História da Arte. Este museu é um dos mais importantes do mundo, rivalizando até mesmo com os museus da Europa.

Claro que, além destes lugares altamente culturais, pode-se visitar Madrid, por causa do Museu do Prado, Barcelona, por causa das obras de Gaudi, Miró, Dali e Picasso, Berlim, devido aos seus importantes acervos de obras de arte, suas orquestras e sua cultura literária magnífica, Istambul, devido à arte bizantina, São Paulo, por causa do MASP, México, devido às ruínas dos Maias e Astecas, Peru, por causa dos Incas, Los Angeles, por causa de Hollywood, etc, etc, etc...mas, aí fica para depois...

O basicão mesmo é Roma, Florença, Veneza, Paris, Londres e Nova York.

Os Maiores gênios

2010-03-10T12:03:00.000-08:00

( Critério de Seleção : Denison S. Rosario )
______________________________

Idade Antiga

Filosofia: Sócrates, Lucius Sêneca, Platon e Aristophaus.

Arquitetura: Imhotep, primeiro arquiteto não-anônimo, além de Ictinos e Calícratos, que são os mais importantes.

Escultura: A Idade antiga nos deu Miron, Polícleto, Praxíteles, Lísipo e o maior deles...Fídias, o criador de uma das 7 maravilhas do Mundo, a Estátua de Zeus.

Artes Plásticas: Polignoto, Apeles, Zeuxis, Farnásio e o mais notável, Apolodoro.

Literatura: Grega: Sóphokles e Eurípedes ( os maiores gênios dramáticos da Humanidade até Shakespeare ), Homeros, Hesiodos, Pindaros, Herodotos, Musaios, Heliodoros, Achilleus Tattos, Lukianos, Plutarchos, Apollonios Rhodios, Theokritos, Kallimachos, Meandros.

Romana: Titus Plautus, Terêntius, Lucretius, Catullus, Naso Ovidius, Flaccus Horatius, Tibullus, Sextus Propertius, Phaedrus, Petronius, Haccus Persius, Marcus Lucanus, Publius Statius, Cornelis Tacitus, Marcus Aurelius.

Música: não há destaques.

Idade Média

Filosofia: Pedro Abellardo, Tomás de Aquino, Duns Scoto, Erigena, Guilherme de Ockham, S. Anselmo, S. Boaventura, Guillaume d’Auvergne, Siger de Brabant, Duns Scot, Alberto Magno e Rogério Bacon.

Arquitetura: Giorgio Vasari Vidas, Antêmio de Tales, Vassalleto, Buscheto, os Pisano’s, Lando di Pietro, Jean de Chelles, Robert de Luzaches, Pierre de Montreuil, Lorenzo Maitani, Antonio di Vincenzo e Isidoro de Mileto.

Escultura: Os Pisano’s, Guglielmo, Guido Bigarelli e Di Balduccio.

Artes Plásticas: Pietro Cavallini, Duccio di Buoninsegna, Cimabue, Simone Martini, os Lorenzetti’s, o pioneiro setentrional Robert Campin, os Limbourg’s, Gentile da Fabriano, Antonio Pisanello, Sassetta e o grande artista ocidental Giotto. Gótico tardio: Van Eyck, Van Der Weiden, Van Der Goes, Hans Memling, Dieric Bouts, Gerard David, Bosch e Grunewald.

Literatura: Guilherme de Orleãs, François Villon, Geoffrey Chaucer, Walther Van Der Vogelweide, Ghilherme de Sorris, Giovanni Boccaccio e Dante Alighieri.

Música: Leonin, Perotin, Guillaume de Machaut, von Bingen, Philippe de Vitry, Marchetto de Pádua, Francesco Landini, Johannes Ockeghem, Dunstable, Dufay.

Idade Moderna

1. Renascença

Filosofia: Maquiavel, Marcílio Ficino, Giordano Bruno, Campanella, Montaigne, Erasmo, Jean Bodin, Kepler, Nicolau de Cusa, Morus e Lutero.

Arquitetura: Alberti, Brunelleschi, Bramante, Palladio, Rafael e Michelângelo.

Escultura: Ghibert, Donatello, Buonarroti, Della Robbia, Verrocchio e o maior dentre eles, Michelângelo.

Artes Plásticas: Renascença Italiana: Massaccio, Masolini da Panicali, Domenico Veneziano, Di Paolo, Ucello, Fra Angelico, Filippo Lippi, Botticelli,
Piero di Cosimo, Piero Della Francesca, Mantegna, Bellini, Antonello da Messina,
Del Cossa, Carpaccio.
Alta Renascença: Leornardo da Vinci, Rafael, Michelângelo, Ghirlandaio, Luini e Perugino; Veneza – Giorgione, Ticiano, Tintoretto e Paulo Veronese.
Maneirismo Italiano: Rosso, Pontormo, del Sarto, Bronzino, Correggio, Parmigianino, Dosso Dossi, Lorenzo Lotto, Beccafumi.

Renascença Setentrional: Durer, Cranach, Holbein, Patinir, Altdorfer e P. Bruegel.
Maneirismo Setentrional: Jan Gossaert, Jean Clouet, Wtewael e Spranger.

Maneirismo Espanhol: El Greco.

Literatura: Petrarca é o primeiro na Itália, depois vem Lourenço de Medicis e Ariosto; em outros países, José de Anchieta, Gil Vicente, Diogo Bernardes, Edmond Spencer, Erasmo de Roterdã, Rabelais, Montaigne, Lope de Vega, Tirso de Molina, Luis de Camões, Alonso Zuniga, Luiz de Gongora y Argote, Francisco Gomes Gueredo, Pedro de La Barca Calderon, o grande Miguel de Cervantes, Marlowe, Maquiavel, Ben Jonson e o notável Willian Shakespeare.

Música: O primeiro nome da música renascentista é Josquin des Prèz, depois vem Thomas Tallis, Byrd, Morley, John Bull (o Liszt do séc. XVI),
Dowland, John Taverner, Carlo Gesualdo, Weelkes, Gibbons, Orlando de Lassus, Praetorius, o franco-flamengo Cristóbal de Morales, Tomás Luís de Victoria,
o explêndido instrumentista Gabrielli, os luteranos Martin Agricola, Finck,
Johann Walter, Hassler, e, os maiores dentre eles, Palestrina e Monteverdi.

2. Barroco e todo o século XVIII

Filosofia: Hume, Voltaire, D’Alembert, Diderot, Newton, Gassendi, Rousseau, Kant, Fichte, Leibniz, Malebranche, Locke, Berkeley, Hegel, Francis Bacon, Descartes, Galileu, Pascal, Hobbes, Espinosa.

Arquitetura: Francesco Borromini, Bernini, Christopher Wren, Andre Le Nôtre, François de Cuvilliès, P. da Cortona, Donato Bramante, Guarino Guarini, Andrea Palladio, Inigo Jones, Carlo Maderna, E. Ferrata, Algardi, Vignola e Neumann.

Escultura: Gian Lorenzo Bernini, Algardi, Antoine Coysevox, Stefano Maderna, Antonio Canova.

Artes Plásticas: Barroco Italiano: Caravaggio, Artemisia Gentileschi, Annibale Carracci, Domenichino, Elsheimer, Guido Reni e Guercino.

Barroco Flamengo: Peter Paul Rubens, Van Dick, Jacob Jordaens.

Barroco Espanhol: Jusepe de Ribera, Velázquez, Zurbarán e Estéban Murillo; Goya não se insere em nenhuma escola.

Barroco Holandês: Rembrandt, Willen Heda, Heem, Vermeer, Frans Hals, Pieter de Hooch, Jan Steen, Cuyp, Ruisdael, Saenredam, Gerard Dou.

Barroco Francês: Nicolas Poussin, Claude Lorrain, Louis le Nain, de La Tour.

Rococó francês: Watteau, François Boucher, Fragonard, Chardin;
italiano: Tiepolo, Guardi, Canaletto;
inglês: Hogarth, Gainsborough, Allan Ramsay, Raeburn, Reynolds.

Literatura: Voltaire, Walter Scott, Molière, Manuel Bocage, Filinto Elisio, Tomas Antonio Gonzaga, Denis Fonvizin, Ivan Krilov, Serge Ailsavov, Mikael Carl Beilman.

Música: Albinoni, Peri, Cavallieri, Caccini, Schutz, Frescobaldi, Froberger, Buxtehude (escola de órgão do Norte), Pachelbel (escola de órgão do Sul), Corelli, Caldara, Cesti, Porpora, Cavalli, Giacomo Carissimi, Torelli, Viotti, D’Anglebert, Hotteterre, Stradella, Legrenzi, Telemann, Leclair, Vivaldi, Purcell, cravo alemão: Fischer, Krieger e Kuhnau, violino alemão: Pezel e Franz Biber, Cimarosa,
o austríaco Joseph Fux, Clarke, Scheidt, John Blow, Schein, Sweelinck, Pergolesi, Lully, os Couperin’s, Charpentier, Louis Marchand, Rameau, os Scarlatti’s,
os Marcello’s, Delalande, Sebastian Bach e Haendel.

Séc. XVIII ( Clássico ) – Haydn, Mozart, Gluck, Christian Bach, Emanuel Bach, Dauvergne, Boccherini, Domenico Cimarosa, Cherubini, Devienne, Tartini,
os Stamitz’s, Dittersdorf, Getry, Gossec, Nicolas Méhul, Beethoven ( fase inicial ).

3. Século XIX

Filosofia: Spencer, Huxley, Haeckel, Arthur Schopenhauer, Heidegger,
Husserl, Darwin, Conte, Schelling, Karl Max, Engels, Kierkegaard, Nietzsche, Willian James, John Dewel, Pater, George Boole, Georg Cantor, Wilhem Dilthey, Fichte, Frege, Hegel, John Stuart Mill, Charles Peirce, Miguel de Unamuno e Anatole France.

Arquitetura: Jefferson, Eiffel, Antonio Gaudi, Horta, Guimard e
Louis Sullivan.

Escultura: Max Klinger, Adolf Hildebrand, Bourdelle e o mais notável, Rodin.

Artes Plásticas: NeoClassicismo - Louis David, Ingres, Copley, Vigée-Lebrun, West, Stubbs, Stuart;
Romantismo – Théodore Gericault, Eugene Delacroix, Constable, Turner, Cole, John Ruskin, W. Blake, Palmer.
Pré- Rafaelitas – Millais, Hunt, Rossetti e Burne-Jones.
Realismo – Daumier, Rosa Bonheur, Courbet, Millet, Corot.
Pré-Impressionismo – Manet e Degas.
Impressionismo – Monet, Guillaumin, Boudin, Cassatt, Berthe Morisot, Renoir, Pissarro e Sisley.
Pós-Impressionismo – Seurat, Signac, Toulouse-Lautrec, Cézanne, Van Gogh, Gauguin e Munch.
Arte Americana – Whistler, Homer, Sargent, Eakins.
Simbolismo – Rousseau, Moreau, Redon e Ryder.
Art Noveau – Klimt, Beardsley, Gallé e Lallique.
Os Nabis – Bonnard, Vuillard e Sickert.

Literatura: Brasil – Euclides da Cunha, Castro Alves, Raul Pompeia, Machado de Assis.

Portugal – Camilo Castelo Branco, Antonio Feliciano Castilho, João de Deus, Julio Dinis, Alexandre Herculano, Antero de Quental.

Argentina – Jose Hernandez.

Noruega – Henrik Ibsen e Knut Hamsum.

Rússia – Alexsanr Puskin, N. Gogol, Michail Lermontov, Leon Tolstoi, Ivan Turgueniev, Fiodor Dostoievski, Alexsandr Ostravski, Vladimir Korolenko, Anton Cechov.

USA – Irvin, James Fenimore, Ralph Ewaldo Emerson, Hawthorne, Edgar Allan Poe, Henry David Thoreau, Herman Melville, Walt Whitman, Emily Dickson, Lovisa May Mcott, Mark Twain e Henry James.

Maiores representantes das principais escolas do século XIX:

Romantismo – Shelley, Schiller, Byron, Walter Scott, Carlyle, Kipling, Goethe, Chateaubriand, Victor Hugo, Alfredo de Vigny, Lamartine, di Musset, Puskin, Larmontov e Manzonni.

Realismo – Balzac, Zola, Flaubert, Thackeray, Dickens, Bernard Shaw, Wells, Thomas Mann, Ibsen, Mark Twain, Turgheniev, Dostoievsky, Tostoi, Gogol, Lawrence Sterne, George Elliot.

Simbolismo - Oscar Wilde, Mallarme, Verlaine, Rimbaud, Maeterlink.

Música: Beethoven ( na fase final de sua vida ), Carl Weber, Spohr, Hummel, E.T.A Hoffmann, Schubert, Chopin, John Field, Rossini, Paganini, Herold, Boieldieu, Félicien David, Halévy, Auber, Clementi, Eugène Scribe, von Suppé, Meyerbeer, Adolphe Adam, Liszt, Wagner, Dvorak, Berlioz, Gounod, Grieg, Smetana, Mendelssohn, Dittersdorf, Schumann, Verdi, Bizet, Brahms, Lalo, Donizetti, J. Strauss, Bruckner, Bellini, Ernst, Arriaga, Sor, Mahler, Catalani,
Carlos Gomes, Arrigo Boito, Delibes, Glinka, Rimski-Korsakov, Tchaikovsky, Bruch, Mussorgsky, Cézar Cui, Balakirev, Borodin, Hugo Wolf, Franz Berwald, Massenet, Novak, Minkus, Rubinstein, Saint-Saens, Offenbach, Cézar Franck e seus discípulos: Alexis de Castillon, Vincent D’Indy, Ropartz, Lekeu, Duparc, Chabrier, Chausson, Magnard, Séverac e Jean Cras;

Fotografia: Precursores - Nadar, Pierre Petit, Oscar Reijander, Robert Demachy, Emily Puyo, Henry Peach Robinson, Matthew Brady, Jacob Riis, Julia Margaret Cameron.
Maturidade da Fotografia como arte - Atget, Weston, Lange, Stieglitz.

Século XX

Filosofia: Sartre, Bertrand Russel, Croce, Henry Bergson, Santayana, James, Dewey e Wittergestein.

Arquitetura: Walter Gropius, Guerrit Rietveld, Mies Van Der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright, Pei, Johnson, Graves, Beaubourg, Gehry, Venturi e o explêndido Renzo Piano.

Escultura: Brancusi, Modigliani, Henry Moore, Calder, David Smith, Bourgedis, Nevelson, Jud, Dan Flavin, Robert Morris, Christo Javacreff, Richard Serra,
Sol Le Witt, Marini, Gabo e Peusner.

Artes Plásticas: Fauvismo: Vlaminck, Derain, o original Matisse e Raoul Dufy.
Expressionismo: Rouault, Kirchner, Nolde, Beckmann, Schiele, Kokoschka.
Cubismo: Picasso, Braque, Juan Gris.
Futurismo: Boccioni, Fernand Léger, Delaunay.
Pré-abstração: Franz Marc, Macke e Kandinsky.
Abstracionismo: Malevitch e Piet Mondrian. Expressionismo abstrato: Pollock, Lee Krasner, Rothko, Arshile Gorky, Kooning, Clyfford Still, Franz Kline, Barnett Newman, Motherwell e Philip Guston.
Fantástico e Surrealismo: Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró, Magritte, Salvador Dali, Dubuffet, Morandi e Giacometti.
Arte Americana: Hopper, Frankenthaler, Morris Louis, Diebenkorn e O’ Keeffe.
Minimalismo : Ad Reinhardt, Franz Stella, Agnes Martin e Rockburne.
Pop Art: Warhol, Lichtenstein, Jasper Johns, Rauschenberg e David Hockney.
Figurativo europeu: Balthus, Francis Bacon, Kossoff, Auerbach, Lucian Freud, Kiefer e Baselitz.
Sem classificação: Soutine, Marc Chagall, Modigliani e Paul Klee.

Literatura: Chile – Pablo Neruda.

Colombia – Garcia Marques.

Cuba – Guilhermo Cabrera, Italo Caluino, Alejo Carpentier, Jose Lima Lezarra, Jose Marti.

Peru - Mario Vargas Llosa.

Espanha – Benito Perez Galdós, Miguel de Unamuno, Vicente Blasco Ibanez e Frederico Garcia Lorca.

Brasil – Adonias Filho, C. Drummond de Andrade, Mario de Andrade, Augusto dos Anjos, Manuel Bandeira, Lúcio Cardoso, Autran Dourado, Lima Barreto, Clarice Linspector, João Cabral de Mello Neto, Murilo Mendes, Radvan Nassar, Cornelio Pena, Mário Quintana, Graciliano Ramos, Guimarães Rosa, José J. Veiga.

Portugal – Almeida Garret, Eça de Queiroz, Florbela Espanca, Vasco Navarro G. Moura, Lobo Antunes, Fernando Namora, Camilo de Peçanha, Antonio Vitor Rosa Ramos, Mário de Sá Carneiro, Fernando Pessoa, José de Souza Saramago, Miguel Torga.

Argentina – Roberto Arlt, Adolfo B. Casares, Jorge Luis Borges, Julio Cortazar, Ricardo Guiraldes, Leopoldo Lúgones, Eduardo Mallea, Leopoldo Marechal, Ricardo Piglia, Manuel Puig, Horácio Quiroga, Ernesto Sáborto.

Rússia – Marksin Gorkin, Leonid Andreev, Boris Pasternak, Vladimir Majarovski, Isaak Babel e Vladimir Nabokov.

USA – Edith Wharton, Theodore Dreisler, Gertrude Stein, Sherwood Anderson, Jack London, Willian Carlos Willians, Ezra Pound, Thomas Elliot, Eugene Oneil, Edward Eastin Cummings, Scott Fitzgerald, Willian Faulkner, Ernest Hemingway, John Steinbeck, Tenesse Willians, Edward Albee.

Os maiores gênios da Literatura filosófica e artística nas línguas inglesa, italiana, alemã e francesa de todos os tempos:

Inglaterra – Chaucer, Malory, Thomas More, Spencer, John Lyly, Francis Bacon, Marlowe, Shakespeare, Robert Burton, John Milton, John Dryden, Daniel Dafoe, Swift, Alexander Pope, Samuel Richardson, Christerfield, Fielding, Samuel Johnson, Sterne, Horace Walpole, Percy, Chatterton, Willian Blake, Wordsworth, Walter Scott, Samuel Coleridge, Jane Austen, Peacock, Thomas de Quincey, George Byron, Percy Shelley, Thomas Carlyle, John Keats, Mary Shelley, Elisabeth Browning, Tennyson, Dickens, Thackeray, Robert Browning, Emily Bronte, Charlote Bronte, Lewis Caroll, Thomas Hardy, Robert Stevenson, George Shaw, Oscar Wilde, Joseph Conrad, Willian B. Yeats, George Wells, Ford Madox Ford, Chesterton, James Joyce, Virginia Woolf, David Herbert Lawrence Thomas Elliot, Mansfield, Huxley, George Orwell, Auden, Dylan Thomas, John Osborne e Harold Pinter.

Itália – Dante Allighieri, Francesco Petrarca, Boccaccio, Franco Shacchetti, Niccolo Maquiavelli, Ludovico Ariosto, Michelangelo Buonarroti, Pietro Aretino, Cellini, Torquato Tasso, Campanella, Goldoni, Casanova, Manzoni, Giacomo Leopardi, Giovanni Verga, Italo Svevo, Gabriele d’Annunzio, Luizi Pirandello, Giuseppe di Tomazi Lampeduza, Curzio Malaparte, Dino Buzzati e Alberto Moravia.

Alemanha – Hildegard Von Bingen, Ender Freidank, Hugo Von Trimberg, Mester, Scharfenberg, Sebastian Brant, Erasmo de Rotterdan, Albrecht Von Haller, Christian Ewald Kleist, Elias Schlegel, Klopstock, Lessing, Wieland, Jacobi, Herder, Goethe, Schiller, Volpius, Dorothea Schlegel, Wilhelm Von Schlegel, Holderlin, Novalis, Hoffmann, La Motte Fouqué, Henrique Von Kleist, Grimm, Heive, Meinhold, Buchner, Friederich Weber, Fontane, Nietzche, Hauptmann, Schnitzler, Stefan George, Henrique Mann, Hofmannsthol, Rainer Rilke, Robert Musil, Stefan Zweig, Frank Kafka, Herman Broch, Eric Maria Remarque, Max Frisch, Heinrich Boll e Friedrich Durremmatt.

França – Alain Chartier, François Villon, Rabelais, Ronsard, Mointaigne, Pierre Corneille, François la Rochefoucauld, Savienien Cyrano de Bergerac, Jean de la Fontaigne, Moliere, Charles Perrault, Nicolas Boileau, Jean Racine, Fenelon, Marivaux, Montesquieu, Voltaire, Antoine Prevost, Jean Jacques Rosseau, Denis Diderot, Beaumarchais, François Sade, Choderlos de Lacros, Xavier de Maistre, Anne Louise Stáel, Benjamin de Constant, Renè de François Chateaubriand, Sthendal, Alphonse de Lamartine, Alfred de Vigny, Balzac, Victor Hugo, Prosper Merinée, Eugene Sue, Charles Saint Beuve, George Sand, Gerard de Nerval, Alfred de Musset, Gautier, Baudelaire, Ernest Teydeau, Joseph Renan, Emile Zola, Daudet, Mallarmé, Anatole France, Paul Verlaine, Conte de Lautremont, Guy de Maupassant, Rimbaud, Eduard Dujardin, Paul Claude, Andre Gide, Paul Valéry, Marcel Proust, Grabielle Collete, Guillaume aPollinaire, Louis Céline, Andre Breton, Andre Malraux, Raymond Badiguet, Marguerite Yovicenar, Jean Paul Sartre, Samuel Beckett, Jean Genet, Eugene Lonesco e Albert Camus.

Música: Glazunov, Lutoslawski, Humperdinck, Elgar, Erik Satie, Szymanowski, Scriabin, Schmitt, Alois Haba, Schmidt, Szymanowski, Enescu, Joaquin Rodrigo, Ropartz, Albèniz, Granados, Roussel, Suk, Novak, Philip Glass, Fauré, Holst, Honegger, Ibert, Max Reger, Pfitzner, Busoni, Respighi, Poulenc, Carl Orff, Marcel Dupré, Janacek, Jolivet, Khatchaturian, Krenek, Samuel Barber, Martinu, Paul Dukas, Hartmann, Duparc, Bela Bartok, Kodaly, Penderecki, Segovia, Manuel de Falla, Stravinsky, Mackerras, Hossack, Prokofiev, Debussy, Ravel, Shostakovich, Rachmaninov, Copland, Gershwin, Ives, Schoenberg, Webern, Alban Berg, Leoncavallo, Mascagni, Giordano, Zandonai, Willian Walton, Delius, Tippet, Britten, Sibelius, Messiaen, Boulez, R. Strauss, Hindemith, Stockhausen, Hanns Eisler, Gorecki, Paul Dessau, Schreker, Korngold, Frank Martin, Ernest Bloch, Kabalevski, Gerald Finzi, Henze, Boris Blacher, Dutilleux, Elliott Carter, Leonard Bernstein, Dallapiccola, Ligeti, Miaskovski, Milhaud, Kurt Weill, Xenakis, Zemlinsky, Zimmermann, Samuel Barber, Grainger, Nielsen, Varèse, Vaughan Williams, Puccini, Berio e na America Latina – México: Ponce, Carrillo, Carlos Chavez; Bolívia: Eduardo Caba; Uruguai: Fabini; Brasil: Villa-Lobos; Argentina: Alberto Williams, Buchardo, Juan Carlos Paz e Alberto Ginastera.

Fotografia: Cubismo – Alvin Longdon Coburn.

Futurismo – Giulio Bragaglia.

Surrealismo – Man Ray, Raoul Hausman, Karl Teige, Max Ernst, Duchamp.

Escola de Bauhaus – Laszló Moholy Nagy.

Abstracionismo – Minor White, Mario Giaconelli,, Lennart Nilson, Jan Smok,
Hans Hammerskiodd, Aoron Siskind, Peter Kutman, Peter Kocjanic, Hunz Hajek, Halke, Pierre Cordier.

Op Art – H. Rittlinger, Gottfried Jager.

Pop Art – Richard Hamilton, Robert Hausser, Floris Neussus, Andy Warhol.

Vanguarda – Jan Dibbets, Haus Haacke, Arnulf Rainer, Bruce Neuman, Vito Acconci.

Fotojornalismo – Os maiores nomes deste gênero são Roger Fenton, Matthew Brandy, Popp de Szathanari, Charles Langlois, Eric Salomon, A. Eisenstaedt, Germaine Kruil, Andre Kutesz, Cartier Bresson, Robert Capa, Cecil Beaton, Margareth Bource White, Boris Kudórrov, A. Uzlian.

Cinema: Destaco os irmãos Lumiére com a invenção da projeção contínua, George Méliés com o primeiro filme de ficção com efeitos especiais, Thomas Edison com o Black Mary, primeiro estúdio de cinema, Edwin Porter abre o faroeste e o gênero policial, Max Linder com o primeiro tipo cômico, além de Louis Teuillade, Giovanni Pastrone, Griffith, Ben Turpin, Buster Keaton, Harold Lloyd e Charles Chaplin.
Alemanha expressionista – Os maiores: Fritz Lang, Pabst, Murnau, Wiene e Lubistch.
França impressionista – Gance, Epstein, Delluc e L’herbier e a vanguarda francesa com linguagem surrealista e dadaísta – René Clair e Buñuel.

URSS no princípio - Eisenstein, Pudóvian, Dudow e Dovjenko.

Países Nórdicos – Dreyer ( Dinamarca ), Stiller e Sjortram ( Suécia ).

II Guerra - ( EUA ) Capra, Ford, Wyler, Hawks, os remanescentes do cinema mudo Vidor, Borgaze, Wellman e o revolucionário modernista Orson Welles.
Europa – ( França ) Realismo poético com Renoir, Carné, Duvivier e Vigo. Além do jansenismo de Robert Bresson.
( URSS ) Kozintev e Aleksándrov. ( Alemanha ) Riefenstahl e Harlan.
( Itália ) NeoRealismo de Roberto Rosselini, De Sica, Luigi Zampa, Alberto Lertuada, Piero Germi, o existencialista Michelangelo Antonioni e Luchino Visconti. Um dos maiores gênios do cinema autobiográfico é italiano, Federico Fellini.
O NeoRealismo abrirá portas para novos cineastas italianos geniais: Passolini, Rosè, Zurlini, Nonicelli, Bertolucci, Petri, Risi, Bolognini, Ferreri, Bellocchio e nos anos 70: Wertmuller, Scola, Taviani e Olmi.

França dos anos 50 até 80 – No gênero Nouvelle Vague: Godard, Truffault, Rivette, Chabrol, Alain Renais e Louis Malle. Nos anos recentes surge o cinema intimista e para mim os maiores cineastas deste gênero são Blier, Rohner, Tavernier, Sautet e Berri. Gostaria de citar alguns gênios que marcaram a História do cinema: Allegret, Cayatte, Clouzot, Delannoy, Jacques Tati e Jean Grémillion.

Inglaterra dos anos 50: David Lean, Michael Power, anos 60: Jack Clayton.
O free cinema com Richardson, Rusz, Boorman, Lester e Schlesinger que rompe com as regras tradicionais do Realismo. Gostaria de destacar Peter Greenaway.

Japão – Kurosawa, Mizoguchi, Shindo, Naruse, Ozu, Kobayachi e Gosho; nos anos 60 surge a Nouvelle Vague Japonesa com Susumu Hani, Masahiro, Shinoda, Yoshishige Yoshida, Nagisa Oshima, Seijun Suzuki, Shohei Imamura e Hirishi Teshigara; em anos recentes temos Yamamura e Itami.

Cinema Contemporâneo na América: Proliferam os musicais e surgem filmes dramáticos com alto nível de qualidade; Hitchcock, Wilder, Huston, Zimmermann, Suk e Corman, grandes diretores que fizeram nome na América.
Escola de New York: Destaco Mann e Ritt; cineastas vindo da tv: Lumet e Penn.

Nicholas Ray, Elia Kazan, Losey, Stanley Kubrick, Frankenheimer e Pollack foram cineastas geniais voltados para a crítica social.
Jerry Lewis e Frank Tashlin criam novo gênero de comédia. Indispensáveis!
Nos anos 70 os maiores cineastas são Scorsese, Coppola, Altman, Mallick, Woody Allen e nas superproduções: George Lucas e Spielberg.
Nos anos 80 destaco De Palma, seguidor de Hitchcock, além de Cimino, Kaufman, David Lynch, com suas visões polêmicas da sociedade e Zemeckis, seguidor de Spielberg.
Em New York surge o cinema independente; anos 70: Cassavetes, Schatzberg, anos 80: Sayles, Jarnusch, anos 90: Hal Haltrey.
Os anos 80 popularizaram o humor irreverente de Gillian e Terry Jones e marcaram o aparecimento de cineastas envolvidos com grandes projetos:
Alan Parker, Roland Joffé e Ridley Scott.

URSS nos anos mais recentes – Kacatósov, Tchukrai, Tarkovski, Kontchalovski, Klimov, Abduladze e Paradjanov.

Polônia – Wajda, Polansky, Kawalerowicz, Alexander Ford, Zanussi e Kieslowsky.

Tchecoslováquia – Weiss, Milos Forman e Jirimenzel.

Hungria – Jancsó, Meszáros e Szabó.

Iugoslávia – Makavejev e Kusturica.

Suécia – O maior nome neste país é Ingmar Bergman e nos anos 60/70 destaco Sjoberg e Sjoman.

Alemanha, anos 60/70 – Os gênios do Movimento Oberhaussen são Fassbinder, Alexander Kluge, Herzog, Schloendorf e Margarette Vontrota. Misturando elementos teatrais no cinema, destaco os geniais Schroeter, Sybergerg e o especial cineasta alemão Win Wenders.

Espanha – Três nomes chamam a atenção internacional, Carlos Saura, Érice e Almodóvar.

Canadá – McLaren, Carle e Arcand.

Portugal – O único nome que merece entrar nesta lista é Manuel de Oliveira.

Dinamarca – Destaco três gênios excelentes, Billy August, Gabriel Axel e Von Trier.

Argentina – Ferreira, Berri, Christensen, Torre-Nilsson, Solanas e Puenzo.

Cuba – Gutierrez Alea e Solas. Chile – Raul Ruiz e Líttin.

Grécia – Constatin Costa-Grawas, Theo Angelorpolos, Cacoyannis.

India – Satiajit Ray é o maior nome do fértil cinema indiano.
China – surge gênios depois dos anos 80: Himov, Ang Lee, Shugin e Kaige.

Brasil – Humberto Mauro, primeiro grande cineasta dos anos 30, depois surgem Mário Peixoto e Alberto Cavalcanti e em 1954, com o cinema novo, temos Nelson Pereira dos Santos; nos anos 60 cineastas jovens são reconhecidos pela crítica européia: o baiano Glauber Rocha é um destaque, além de Paulo Cezar Saraceni, Leon Hirsman e Anselmo Duarte. Walter Hugo Krouri e Luis Sergio Person caminham de forma independente e são verdadeiros gênios brasileiros. ###

Meme: bom gosto

2010-02-21T04:08:00.000-08:00

Meme: bom gosto

BEETHOVEN, UM RESUMO PESSOAL

2010-02-10T19:17:00.000-08:00

Ludwig van Beethoven representa um divisor de águas na História da Música. Eu me sinto um privilegiado em poder ter a felicidade de conhecer toda sua obra. Conjunto de opus que me impressiona a cada audição.

O célebre músico é conhecido do grande público pelo seu ciclo de 9 sinfonias e pelas suas 32 sonatas para piano. De fato, são coleções extraordinárias e bastariam para colocar o compositor como um dos maiores gênios da história. Falarei abaixo do melhor que o mestre compôs.

SINFONIAS
As 9 sinfonias de Beethoven formam o ciclo musical mais famoso e aclamado em todos os tempos. Cada uma delas tem uma personalidade própria e guarda seus próprios méritos, mas a Terceira (Eroica), a Quinta (Destino), a Sexta (Pastoral), a Sétima (Dança) e a Nona(Coral), únicas que possuem nomes, são as que chamam mais atenção dos críticos e admiradores. A Terceira se destaca por ser a mais revolucionária, a Quinta, pela sua economia melódica, a Sexta, pela sua descrição pastoral, rica em detalhes, a Sétima, por ser a mais bonita e a Nona se destaca como a mais complexa, incluindo um coral num gênero que é absolutamente instrumental.

SONATAS PARA PIANO
As 32 sonatas para piano formam outra coleção admirável. É tamanha a variedade de emoções e estados de espírito que pode-se dizer que resume todos os sentimentos humanos expressados em música. De altíssima qualidade técnica, de uma ousadia tonal consciente, de uma riqueza de pathos notável. É o gênero, em Beethoven, que eu acho mais notável, onde podemos capturar toda a inventividade, todo o desenvolvimento técnico, toda capacidade em compor do mestre. Cada sonata tem seu valor, mas destaco aqui as sonatas op. 7, ao Luar op. 27, a Tempestade op. 31, Appassionata op. 57, Patética op. 13, Waldstein op. 53 e as quatro últimas que vai da mais monumental de todas (Hammerklavier op. 106) até a mais espiritual (op. 111).

QUARTETOS
Outro gênero no qual Beethoven é conhecido, principalmente por aqueles que se aprofundam em sua música, menos acessível ao grande público, é o de câmara. Neste gênero específico os quartetos para cordas dominam a área. Esta coleção beethoveniana, depois do ciclo sinfônico e das sonatas para piano, é o mais interessante e rico. Seus quartetos se dividem em três fases: a fase clássica, a fase heróica e a fase final. Os quartetos da fase inicial são ofuscados pelos da fase mediana (heróica) e os últimos quartetos ofuscam toda a coleção antes deles. Para muitos especialista, os últimos quartetos de Beethoven formam o que de mais sério o mestre criou...de fato, é música de altíssima espiritualidade. É como se os quartetos da fase inicial fizessem apenas o dever de casa da música clássica, imprimindo, óbvio, personalidade autoral; os quartetos medianos estendessem os conceitos da fase clássica para caminhos heróicos, românticos, épicos...e os da fase final ampliassem este conceito para limites míticos, interplanetários, cósmicos...espirituais.

CONCERTOS
Depois das sinfonias, sonatas para piano e quartetos, Beethoven é respeitado pelos seus concertos. Uma pena que escreveu poucos, apenas 7. O único concerto para violino é uma obra-prima, respeitadíssimo em todas as salas. O concerto tríplice não goza da mesma popularidade, mas eu considero um concerto poderoso e umas das obras mais geniais do mestre. Foi este concerto que me fez despertar para a genialidade incólume de Beethoven.
Mas, os cinco concertos para piano são deliciosos...os de n.3, 4 e 5 são obras-primas geniais, mas, todos eles são deliciosos e cerebrais...

SONATAS DUO
Se excluirmos os quartetos para cordas, a melhor música de câmara de Beethoven inclui seu instrumento predileto: o piano.
De tudo que foi composto, as 10 sonatas para violino e piano formam a coleção mais coesa e bonita, depois das sinfonias, sonatas para piano, concertos e quartetos para cordas. Formam um ciclo fechado em si, com destaque para a sonata Primavera, a Kreutzer e a op. 96, a última sonata. É como se a primeira sintetizasse a fase clássica; a Kreutzer, a heróica e a op. 96, a fase espiritual. É um ciclo menos popular, mais conhecido pelos especialistas.

Depois das sonatas para violino, as 5 sonatas para violoncelo e piano formam outra coleção interessante e rica. Não acrescenta em nada o que fora feito pelas sonatas para piano solo, mas para quem se interessa pelo violoncelo, são obras magistrais e belíssimas.

TRIOS COM PIANO
Infelizmente, os trios para piano e cordas não formam uma coleção ampla como as sonatas para violino e piano. Mas, os trios op. 70 e o Trio Arquiduque já dão conta do recado. São obras maravilhosas, esplêndidas...que nos remete à Brahms.

MÚSICA CÊNICA
O mestre de Bonn não é muito conhecido pela sua música cênica. Na verdade, nessa área, sua música fora deixada de lado. De tudo que fez, ficou a ópera Fidélio (única que escreveu) e a abertura de Egmont, sua melhor abertura orquestral. Seria Beethoven, mesmo sem ter escrito estas obras. Brahms e Bach não escreveram ópera alguma e isso não tirou em nada o valor deles. Digo isso, sem querer desmerecer Fidélio e a abertura de Egmont, que são obras bonitas, bem feitas e de grande impacto.

CANÇÕES
O primeiro ciclo de canções feito por um grande compositor deve ter sido o ciclo à Amada Imortal. As canções de Beethoven são conscientes, engenhosas, de beleza sutil, mas pouco conhecidas.

MÚSICA SACRA
Beethoven escreveu belas cantatas, missas e um oratório notável: Jesus no Monte das Oliveiras. Em tudo, passagens geniais...mas, de tudo que escreveu para coro, tratando de música para a igreja, a única obra-prima incólume é sua Missa Solemnis, pináculo de toda a história da música sacra, junto com a Missa em Si menor de Bach.
Como se não bastasse tudo que Beethoven havia criado em todos os gêneros possíveis, ainda fez esta missa espetacular, monumental, complexa, sua obra mais difícil.

OBRAS ESPECIAIS
Entre os admiradores de Beethoven tem-se um certo interesse pela Fantasia Coral, op. 80 e pelos dois romances para violino e orquestra. Quanto ao grande público, Beethoven é muito conhecido também pela sua música para piano solo intitulada Fur Elise. É respeitado por eruditos pela sua Grande Fuga, op. 133, as Bagatelas op. 126 e pelas Variações Diabelli para piano solo. São obras deliciosas, de uma intelectualidade sutil, que apenas engrossa o caldo de genialidade do seu corpo de opus. Destaco aqui que a Grande Fuga, as Bagatelas op. 126 e as Variações Diabelli são obras monumentais, únicas, especiais...se Beethoven não tivesse criado suas revolucionárias sinfonias, sonatas e quartetos, talvez fosse conhecido apenas por ter criado uma dessas peças de grande valor.

RESUMO - AS OBRAS MAIS CONHECIDAS E AS MAIS MONUMENTAIS:
Quinta Sinfonia, Nona Sinfonia; Fur Elise; Concerto para piano n.5, Concerto para violino; Quartetos da fase final; Grande Fuga op. 133; Bagatelas op. 126; Variações Diabelli; Missa Solemnis; Sonatas para piano Ao Luar, Patetica, Waldstein e Hammerklavier;
Ópera Fidélio; Sonatas para violino e piano Primavera e Kreutzer;

AS OBRAS QUE EU DESTACO - GOSTO PESSOAL:
1.Sinfonias n.3, 5, 7 e 9;

2.Sonatas para piano op. 7, ao Luar op. 27, a Tempestade op. 31, Appassionata op. 57, Patética op. 13, Waldstein op. 53 e as quatro últimas, com destaque para a Hammerklavier op. 106 e a op. 111;

3.Concertos para piano n.2, 3, 4 e 5 e o Concerto Tríplice;

4.Quartetos da fase média e da fase final (todos);

5.Grande Fuga op. 133, as Bagatelas op. 126 e as Variações Diabelli op. 120;

6.Trios para piano e cordas, os dois, op.70;

7.Sonatas para violino op. 30 (as três), Primavera, Kreutzer e
op.96;

8.Sonatas para cello e piano op. 5, 69 e 102;

9.Missa Solemnis;

MONET, MAIOR REVOLUCIONÁRIO DO IMPRESSIONISMO

2010-02-06T08:23:00.000-08:00

No último período de sua longa vida, Monet transferiu-se para uma casa de campo em Giverny, em frente do qual mandou construir um belo jardim de ninféias. As séries deste jardim, pintadas enquanto a Europa ardia em chamas, devido à Primeira Grande Guerra, superaram o registro da impressão - como na escola do Impressionismo - e representavam mais uma reflexão introspectiva do que era a Natureza e as suas contínuas metamorfoses. Plantas e água se misturam. As pinceladas perseguem-se em rápidas sucessões e a tinta já não obedece os limites da tela. Uma verdadeira confusão cromática no ar e no espelho de água. Aqui, Monet toca delicadamente na abstração, alcançando o Infinito. Para saber mais sobre Monet: http://www.sabercultural.com/template/pintores/Monet-Claude-1.html

POR QUE VAN GOGH É TÃO VALORIZADO

2010-01-28T11:24:00.000-08:00

É uma boa pergunta a se fazer...O porque de Van Gogh ser tão famoso...suas obras tão respeitadas...apesar da "feiúra" evidente em sua linguagem...
A resposta é simples. Van Gogh surge sob a onda enorme do Impressionismo, mas consegue se erguer por sobre a crista desta onda. Ao contrário dos impressionistas, Van Gogh não busca em suas telas relatar o instante captado de determinada cena a partir da luz do momento, do clima do momento, da atmosfera do momento...ele retrata a emotividade da cena, o sentimento que determinada imagem desperta em si...e consegue retratar isso a partir de linhas contorcidas, cores vibrantes e contrastantes, perspectiva idealizada...um furor sagrado - comparável a Vivaldi - ao ponto de criar mais de 600 peças em apenas quatro anos. A obra de Van Gogh fala mais do psicológico, da imagem interior, retratada na imagem externa distorcida das coisas...

Van Gogh começou tarde na pintura, já velho...mas, seu acervo é maior que o de Velazquez, Rubens ou Rafael. E a maior parte de sua criação é composta de obras-primas extraordinárias. O que fascina em Van Gogh não é apenas o estilo - único, liberto de qualquer regra ou escola -, mas também a sua personalidade atormentada e sua biografia trágica retratadas nas suas pinturas. Depois de Van Gogh, a arte não é mais a representação da vida: a arte é a vida.

CONFERÊNCIAS NO MUSEU DO PRADO, EM MADRI

2010-01-24T03:43:00.000-08:00

Toda semana o Museu do Prado, em Madri, faz uma conferência sobre um dos quadros de sua imensa coleção. Nesta última semana de janeiro de 2010, a sagrada familia, de Parmigianino.

Esta atitude por parte do museu espanhol deveria ser copiado pelos museus brasileiros para que haja um incentivo no sentido de a população conhecer as coleções dos museus de sua cidade.

O GÊNIO DA PANTERA COR-DE-ROSA

2010-01-21T13:36:00.000-08:00

Henry Mancini foi um dos compositores de trilhas cuja importância reside em ter aberto um divisor de águas na História da Música para o Cinema, ao colocar o chamado mainstream jazz na trilha do filme A Marca da Maldade, dirigido em 1958, por Orson Welles.
Antes da geração de Henry Mancini, a trilha sonora de um filme no cinema americano era quase que exclusivamente sinfônica, grandiloqüente.

As composições pelas quais Henry Mancini é mais conhecido incluem Moon River (a canção tema do filme Bonequinha de Luxo) e os temas dos filmes A Pantera Cor-de-Rosa e Charada, bem como o tema do famoso Pássaros Feridos, minissérie de 1983, exibida no Brasil pelo SBT desde 1985. Ele compôs também o famoso tema de 007 e Missão Impossível.

O famoso tema da Pantera Cor-de-Rosa é um clássico do jazz, simples, memorável. Todos conhecem aquele sax contralto bem tocado por Plas Johnson, meio tímido, cuidadoso como o andar de um felino, timbre classudo, com um acompanhamento de orquestra sutil e coadjuvante...belas viradas sutis de bateria executadas por Frank Capp...
Para quem deseja ouvir a orquestra original de Henri Mancini, com o mestre na batuta, executando A Pantera Cor-de Rosa, acesse

http://www.youtube.com/watch?v=jBupII3LH_Q

UMA DESCOBERTA: NUBIA LAFAYETTE

2010-01-21T12:06:00.000-08:00

Não há limite de idade para se descobrir a bela arte, honesta, sincera, pura, não há limite para se descobrir um clássico.
Numa ensolarada tarde de quarta feira, encontrei-me com meu pai para almoçarmos juntos e percebi uma canção interessante em seu carro...perguntei de quem era a canção e quem estava cantando...ele respondeu que a canção foi gravada pela primeira vez por Dalva de Oliveira e a cantora naquela versão era Núbia Lafayette...era mais um dos belos Cds comprados por Netinha, sua esposa, que sempre buscou a beleza no passado, nos clássicos de outra era, que não a nossa - arranhada pela ausência da melodia, da harmonia...nessa busca pelo passado, onde disponta o inusitado...aquele timbre antigo, mas universal, portanto ouvível em qualquer tempo, um som pitoresco, uma voz sem idade, um clássico, senhores, um clássico. Não devemos negar nunca a arte honesta, de qualidade, mesmo que não seja de nossa geração...e aquela cantora - que eu nunca havia ouvido falar - era dona de uma voz honesta, generosa e fácil de conquistar.

Quanto a Dalva de Oliveira, eu já conhecia de ouvi-la nos anos 80, entre minhas pesquisas musicais...ela fez muito sucesso nos anos 30, 40 e 50; inclusive, em 2002, de passagem por Recife, assisti ao espetáculo teatral "Estrela Dalva", cujo sucesso rendeu ao elenco de 16 atores viagens por diversas capitais brasileiras e cidades do interior de Minas Gerais por dois anos e, mais recentemente, a vida de Dalva de Oliveira foi retratada com a minissérie Dalva e Herivelto - Uma Canção de Amor, produzida pela Rede Globo. Nesta minissérie, a vida da cantora foi ficcionalizada. Seus maridos Tito Clement e Manuel Nuno Carpinteiro, por exemplo, não existiram.

Mas, voltando a falar da cantora Núbia Lafayette, apresentada por meu pai, ela morreu recentemente, em 2007, de hemorragia cerebral. Nascida no Rio Grande do Norte, Núbia desembarcou cedo no Rio de Janeiro e começou sua carreira no fim dos anos 50, nessa época, cantando em programas de calouros, interpretando músicas da época. Foi crooner da boate Cave e estreou imitando Dalva de Oliveira, o seu grande ídolo. Ela teve o apoio de Nelson Gonçalves, que a apresentou à gravadora RCA Victor. Inclusive, ela era chamada de a Nelson Gonçalves de saias. Ainda em 1960, Núbia gravou o 1º disco com a música Devolvi. Assim que saiu, a música despontou nas rádios de todo País. O trabalho a projetou como uma cantora romântica e popular. Muitos cantores se dizem influenciados por ela: Alcione, Fafá de Belém, Elymar Santos e Tânia Alves são alguns dos fãs famosos de Núbia Lafayette.

O BRASIL NÃO COMPETE ESTE ANO AO OSCAR

2010-01-20T13:49:00.000-08:00

O Brasil está mais uma vez fora da disputa pelo Oscar de melhor filme estrangeiro. O filme de Sérgio Rezende "Salve geral" era o único representante brasileiro entre os mais de 64 países que concorriam às cinco vagas de candidato. Mas a Academia Cinematográfica de Hollywood divulgou nesta quarta-feira, 20, uma lista com os nove longas que estão ainda na briga. Apenas a Argentina, com o filme "O segredo de seus olhos", e o Peru, com "A teta assustada", representam o cinema latino-americano na corrida pelas vagas.

MINHA LISTA DOS CEM MELHORES FILMES

2010-01-18T07:35:00.001-08:00

Todo mundo publica uma lista dos cem...não gosto das listas que comparam os filmes entre si e dão colocação, por exemplo, para Cidadão Kane como o melhor filme já feito, mas admiro uma seleção de cem melhores filmes, sem pontuação...isso serve de guia para admiradores da sétime arte que estão ainda engatinhando na apreciação.

Minha lista contém alguns filmes que estão em todas as listas do gênero, mas envolve algumas preciosidades esquecidas, como Camille Claudel de Bruno Nuytten ou Uma Aventura na Martinica de Howard Hawks.

Vamos a minha lista pessoal dos cem filmes prediletos:

1. Cidadão Kane (Orson Welles) USA

2. Um Corpo Que Cai (Alfred Hitchcock) INGLATERRA

3. 8 ½ (Federico Fellini) ITÁLIA

4. La Nave Va (Federico Fellini) ITÁLIA

5. Camille Claudel (Bruno Nuytten) FRANCES

6. A Longa Noite de Loucura (Mauro Bolognini) ITÁLIA

7. Kagemusha, a Sombra do Samurai (Akira Kurosawa) JAPONES

8. Sociedade dos Poetas Mortos (Peter Weir) USA*

9. O Encouraçado Potenkim (Sergei Eisenstein) RUSSO

10. Cantando na Chuva (Gene Kelly) USA

11. O Poderoso Chefão (Francis Ford Coppola) USA

12. Lolita (Stanley Kubrick) INGLATERRA*

13. Mephisto (István Szabó) HUNGARO

14. Os Infiltrados (Martin Scorsese) USA

15. O Cozinheiro, o Ladrão, Sua Mulher e o Amante (Peter Greenaway) INGLATERRA*

16. Violência e Paixão (Luchino Visconti) ITÁLIA

17. Fantasma da Liberdade (Luis Buñuel) ESPANHOL*

18. Lawrence da Arábia (David Lean) INGLATERRA

19. A Doce Vida (Federico Fellini) ITÁLIA

20. Os Bons Companheiros (Martin Scorsese) USA*

21. Psicose (Alfred Hitchcock) INGLATERRA

22. Casablanca (Michael Curtiz) USA

23. Crepúsculo dos Deuses (Billy Wilder) USA

24. Lua de Fel (Roman Polanski) POLONES

25. Morangos Silvestres (Ingmar Bergman) SUECO

26. Sonata de Outono (Ingmar Bergman) SUECO

27. O Boulevard do Crime (Marcel Carné) FRANCES

28. Apocalypse Now (Francis Ford Coppola) USA

29. O Sétimo Selo (Ingmar Bergman) SUECO

30. Janela Indiscreta (Alfred Hitchcock) INGLATERRA*

31. Amarcord (Federico Fellini) ITÁLIA

32. A Malvada (Joseph L. Mankiewicz) USA

33. A Ponte do Rio Kwai (David Lean) INGLATERRA

34. Persona (Ingmar Bergman) SUECO

35. Amadeus (Milos Forman) TCHECO

36. Laranja Mecânica (Stanley Kubrick) INGLATERRA

37. E o Vento Levou (Victor Fleming) USA

38. Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (Woody Allen) USA

39. Fargo (Joel Coen) USA

40. Onde Os Fracos Não Têm Vez (Joel Coen) USA

41. Manhattan (Woody Allen) USA*

42. A Noviça Rebelde (Robert Wise) USA

43. A Liberdade é Azul (Krzysztof Kieslowski) POLONES

44. Interlúdio (Alfred Hitchcock) INGLATERRA

45. Deus e o Diabo na Terra do Sol (Glauber Rocha) BRASIL

46. Lacombe Lucien (Louis Malle) FRANCES*

47. Meu Jantar com André (Louis Malle) FRANCES*

48. Tio Vânia em Nova York (Louis Malle) FRANCES*

49. Hiroshima, Meu Amor (Alain Resnais) FRANCES

50. Hannah e Suas Irmãs (Woody Allen) USA

51. A Fraternidade É Vermelha (Krzysztof Kieslowski) POLONES

52. Terra em Transe (Glauber Rocha) BRASIL

53. Disque M para Matar (Alfred Hitchcock) INGLATERRA

54. Festim Diabólico (Alfred Hitchcock)
INGLATERRA*

55. Era uma Vez no Oeste (Sergio Leone) ITÁLIA

56. Discreto Charme da Burguesia (Luis Buñuel) ESPANHOL*

57. Hamlet (Laurence Olivier) INGLATERRA*

58. Os Pássaros (Alfred Hitchcock) INGLATERRA*

59. Memórias (Woody Allen) USA*

60. Tiros na Broadway (Woody Allen) USA*

61. A Excêntrica Família de Antônia (Marleen Gorris) HOLANDA*

62. O Anjo Exterminador (Luis Buñuel) ESPANHOL*

63. O Anjo Azul (Josef Von Sternberg) AUSTRIACO

64. Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore) ITÁLIA

65. Satyricon (Federico Fellini) ITÁLIA

66. Cenas de um Casamento (Ingmar Bergman) SUECO

67. Da Vida das Marionetes (Ingmar Bergman) SUECO

68. Morte em Veneza (Luchino Visconti) ITÁLIA

69. Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos (Pedro Almodóvar) ESPANHOL*

70. Pepi, Luci Bom y otras Chicas del Montón (Pedro Almodóvar) ESPANHOL*

71. Os Guarda-chuvas do Amor (Jacques Demy) FRANCES

72. O Leopardo (Luchino Visconti) ITÁLIA*

73. Os Primos (Claude Chabrol) FRANCES*

74. O Sol por Testemunha (René Clément)
FRANCES*

75. Este Obscuro Objeto do Desejo (Luis Buñuel)*

76. Beau Pere (Bertrand Blier)*

77. Platoon (Oliver Stone) USA

78. Wall Street (Oliver Stone) USA

79. Noites de Cabíria (Federico Fellini) ITÁLIA

80. Julieta dos Espíritos (Federico Fellini) ITÁLIA

81. Maridos e Esposas (Woody Allen) USA*

82. O Olho do Diabo (Ingmar Bergman) SUECO

83. Se Meu Apartamento Falasse (Billy Wilder) USA*

84. O Homem Elefante (David Lynch) USA

85. O Homem que Sabia Demais (Hitchcock) INGLATERRA*

86. O Dragão da Maldade contra o Santo Guerreiro (Glauber Rocha) Brasil*

87. Cabeças Cortadas (Glauber Rocha) Brasil*

88. Toda Nudez será Castigada (Arnaldo Jabor) Brasil

89. Eu te Amo (Arnaldo Jabor) Brasil*

90. Intriga Internacional (Hitchcock) INGLATERRA*

91. Marnie (Hitchcock) INGLATERRA

92. Eu Sei que Vou te Amar (Arnaldo Jabor) Brasil*

93. Rastros de Ódio (John Ford) USA

94. Em Busca do Ouro (Charles Chaplin) INGLATERRA

95. Los Angeles – Cidade Proibida (Curtis Hanson) USA

96. Guerras nas Estrelas (George Lucas) USA

97. Prisioneiro do Passado (Delmer Daves) USA

98. Uma Aventura na Martinica (Howard Hawks) USA

99. O Terceiro Homem (Carol Reed) USA

100. Uma Mente Brilhante (Ron Howard) USA

Denison Souza do Rosário

EU ME IMPRESSIONO COM O DRAMA NA TELA

2010-01-18T06:38:00.000-08:00

É isso...eu gosto de ver um belo retrato como a de Monalisa numa tela, mas o que mais me deixa de queixo caído são as grandes pinturas que enfeitam palácios, igrejas e scuolas na Europa, ricas em personagens e planos diferentes, ângulos diversificados e uma organicidade espetacular que nos fazem sentir a unidade da obra, mesmo que não entendamos de estética. E as cores? Vivas, quentes, vibrantes...e o claro/escuro? Espetacular! Pinturas de Rubens, Tiepolo, Caravaggio, Rafael ou Tintoretto me remetem a este mundo maravilhoso do dramático na pintura...não só no barroco, mas no maneirismo e mesmo na última fase da renascença...qualquer período tem estes quadros ou afrescos imensos que embelezam as paredes de palácios, igrejas, scuolas nobres...eu me impressiono com o drama nestas pinturas...eu fico realmente arrebatado, atônito, afônico, emocionado...

Vou fazer uma confissão...me emocionei muito mais com as pinturas de Tintoretto na Scuola Grande di San Rocco, em Veneza (foto acima), do que com as pinturas de Michelângelo na Capela Sistina, no Vaticano...acho as salas de Rafael no Vaticano também muito mais emocionante...tudo é uma questão de gosto pessoal...mas, todas elas têm algo em comum...são dramáticas e ricas em movimentos e cores...

POR QUE BEETHOVEN E MOZART SÃO INSUPERÁVEIS?

2010-01-16T10:19:00.001-08:00

Uma coisa é certa sobre a música clássica: Beethoven e Mozart são os maiores compositores de todos os tempos, falem o que quiserem falar...os dois dominaram todos os gêneros que existiam na sua época (sinfonia, ópera, canção, música sacra, concerto, música de câmara, sonata, etc) e conseguiram escrever obras-primas em todos eles...são os mestres com mais obras-primas inscritos na História da Humanidade. Escreveram obras fabulosas para todos os instrumentos possíveis e possuem mais de 15 melodias conhecidas por todos...fato raro na História.

E a sociedade universal concorda com isso...vi uma revista de História da BBC que citava os maiores gênios em cada área do conhecimento humano. Adivinhem quem era o gênio que representava a música erudita? Beethoven, claro. Na revista tinha uma pequena matéria sobre outro grande gênio da música...adivinhem quem? Isso mesmo...Mozart. Outra coisa...nos livros sobre música erudita a atenção maior é dada a Mozart e Beethoven...nos lançamentos de Cds...Mozart e Beethoven...sempre eles dois...isso não é coincidência. Sãos os maiores!!!

Chopin foi um grande mestre da composição, mas só para um instrumento, o piano...e de preferência, sozinho, sem acompanhamento de orquestra ou qualquer outro instrumento. Vivaldi compôs muita coisa para vários instrumentos e para vários gêneros, mas nota-se que sua obra não tem muita substância! Algumas coisas merecem respeito e a grande maioria é apenas repetição de fórmula.

Schubert é um grande mestre, mas não dominou o concerto, Ravel não sabia escrever música sacra, nem conseguiria, pois era ateu convicto...Stravinsky conseguiu explorar todos os gêneros possíveis...sinfonias, música sacra, óperas, balés, concertos, música de câmara...mas, todos concordam que o forte do mestre russo era a música de massa, orquestral, dramática...seja um balé, seja uma sinfonia ou uma ópera...ele era fraco na música camerística...todos os compositores revelam uma brecha no seu corpus de criação...menos Beethoven e Mozart...

Bach era um gênio completo...mas, em sua época não existia a sinfonia de autor, também se plageava muito; fica difícil compará-lo com Mozart...e mesmo assim ele nunca escreveu uma ópera...isso ficou para Haendel. Não se sabe como soaria uma ópera de Bach. Não importa por qual motivo, mas é fato que nenhum compositor da História tenha enfrentado o desafio de dominar todos os gêneros da Música e se sair bem em todos eles...mesmo nos gêneros menores como canção ou balé, Beethoven e Mozart foram grandes...e escreveram obras espetaculares...mesmo que Schubert, mais tarde, tenha recriado o gênero, elevando a canção à altura de grande gênero ou Tchaikovski e outros russos tenham elevado o gênero balé a um nível dramático escatológico.

Brahms era impecável, sério, muito talentoso...dominou tudo...mas, já se ouviu uma ópera sequer de Brahms...? Nunca teve oportunidade de enfrentar o desafio...e só teve pique prá escrever 4 sinfonias, com muita dificuldade, e muito poucos concertos. Isso não desmerece Brahms, mas se formos ver a quantidade extraordinária de concertos e sinfonias de alto nível de Beethoven e Mozart, fica claro que é difícil ser um Beethoven ou Mozart. Wagner, na época de Brahms, pegou este legado da ópera para si...se dedicou tanto à ópera, que não escreveu praticamente mais nada...os mestres se destacam em um ou outro gênero, quando são geniais...ou no máximo, tem apenas uma de suas obras conhecidas...Wagner, portanto é o mestre das óperas, Bruckner, das sinfonias...e por aí vai...Mussorgski só é reconhecido pelo seu Quadros de Exposição...e por aí vai...e nessa...Beethoven e Mozart ficam na dianteira, não devendo prá nenhum gênero.

OS SETE DA SÉTIMA ARTE

2010-01-16T10:09:00.000-08:00

O número 7 é um número mágico e enigmático. O cinema é conhecido como a Sétima Arte. Eu acredito que é possivel ter uma idéia geral de qualquer cineasta, apenas assistindo a sete filmes de sua produção.

No caso dos meus diretores prediletos, fiz uma seleção de suas 7 obras mais representativas:

Ingmar Bergman:
1. O SÉTIMO SELO
2. SONATA DE OUTONO
3. MORANGOS SILVESTRES
4. PERSONA
5. FANNY E ALEXANDER
6. CENAS DE UM CASAMENTO
7. GRITOS E SUSSUROS

Federico Fellini:
1. 8 E MEIO
2. A DOCE VIDA
3. AMARCORD
4. LA NAVE VA
5. LA STRADA
6. NOITES DE CABÍRIA
7. JULIETA DOS ESPÍRITOS

Stanley Kubrick:
1. Lolita
2. Laranja Mecânica
3. O Iluminado
4. De Olhos Bem Fechados
5. Spartacus
6. Dr. Fantastico
7. 2001, Uma Odisséia no Espaço

David Lean:
1. Lawrence da Arábia
2. A Ponte do Rio Kwai
3. Passagem para a Índia
4. Summertime
5. Doutor Jivago
6. Oliver Twist
7. Grandes Esperanças

Alfred Hitchcock:
1. Um Corpo que Cai
2. Psicose
3. Janela Indiscreta
4. Os Pássaros
5. Festim Diabólico
6. Intriga Internacional
7. A Sombra de uma Dúvida

Woody Allen:
1. Hanna e suas Irmãs
2. Noivo Neurótico,Noiva Nervosa
3. Manhattan
4. A Rosa Púrpura do Cairo
5. A Era do Radio
6. Crimes e Pecados
7. Tudo que voce sempre quis saber sobre sexo

Luis Buñuel:
1. Viridiana
2. O Cão Andaluz
3. O Discreto Charme da Burguesia
4. O Anjo Exterminador
5. A Bela da Tarde
6. O Fantasma da Liberdade
7. Este Obscuro Objeto do Desejo

POR QUE A MONALISA É TÃO CONHECIDA?

2010-01-16T09:11:00.000-08:00

O quadro de pequenas dimensões de Leonardo Da Vinci intitulado La Gioconda (ou Monalisa) é a imagem mais conhecida da História da Pintura...mas, por que será?

Simples...este quadro sempre esteve no Louvre, em Paris, e era apenas mais um quadro na imensa coleção do museu francês. Isto, até o dia 21 de agosto de 1911. Na ocasião, uma segunda-feira, o museu estava fechado, assim como todos os museus do mundo. A Gioconda foi roubada.

O ladrão foi pego dois anos depois e disse que roubou o quadro por patriotismo. Era italiano, trabalhava no Louvre como pintor de parede e achava que o quadro deveria estar em seu país. A partir deste episódio a vida do quadro mudaria completamente. Não que o quadro não merecesse os olhares apaixonados de críticos e fãs de arte, mas o fato causou grande furor em torno da obra, levando a sociedade a atentar melhor para os diversos detalhes desta criação, percebida, de antemão, pelo simples pintor de parede. O ladrão percebeu que o quadro continha muitos mistérios e detalhes dignos de nota...o olhar, o sorriso, as mãos...aquele quadro, na visão dele, deveria estar em Florença ou Roma...

Mistérios e curiosidades sempre cercaram a tela, explorados de forma inteligente e lucrativa por Dan Brown em O Código Da Vinci. Por exemplo, ninguém sabia quem era aquela pessoa retratada - se dizia até que era um auto-retrato. Hoje, depois de estudos minuciosos, sabemos que se trata de Lisa Gherardini Del Giocondo, esposa de Francesco Del Giocondo. Como o nome dela era Lisa, chamamos o quadro de MonaLisa (diminutivo de Madonna Lisa) ou La Gioconda (sobrenome de Lisa).

A tecnologia tem ajudado a desvendar alguns desentendimentos. Uma equipe munida de scanners e lasers descobriram que por baixo da camada de tinta que vemos hoje, houve várias mudanças e retoques. Em uma delas, descobriu-se que Monalisa usava um coque no cabelo e um véu cobrindo a cabeça. Segundo estudiosos, tal véu era muito usado por mulheres grávidas, na Itália do séc. XVI, indicando que a personagem poderia estar esperando um herdeiro. Isso explicaria seu sorriso nebuloso e e a posição das mãos, como de alguém que protege naturalmente o ventre. Se atentarmos para o rosto de Monalisa e sua expressão ambígua perceberemos um pouco de alegria contida, uma certa expressão de nojo e uma dose de temor.

Os olhos não dispõem de linhas, não contêm contornos definidos, o que os enche de expressividade. Não possuem sobrancelhas e cílios, fato comum nas mulheres da sociedade florentina da época, mas que dá um toque a mais na expressão. . . as mãos, muito bem modeladas, foram pintadas com muita delicadeza e numa pose espetacular. Leonardo trabalhou muito bem o sorriso de Monalisa. Trabalhou com cuidado as texturas dos lábios, delineando com sabedoria e maturidade cada luz e sombra que permeia cada trecho de carne da boca. O resultado é um sorriso que existe e inexiste ao mesmo tempo, dependendo da maneira que a pessoa olha para ela. Dependendo do que a pessoa está pensando da tela no momento. Um efeito realmente estimulante e desafiador.

Leonardo foi conquistado por sua obra, pois não entregou o quadro a Francesco Giocondo, que encomendou o retrato. Ele sempre levou o quadro consigo para onde quer que fosse, até o fim de sua vida.

PARA SUA VISITA NO MUSEU DO VATICANO

2010-01-15T12:11:00.000-08:00

Queria dar um toque para quem for visitar a Capela Sistina, no Museu do Vaticano...é que todo mundo vai lá desesperado pra ver apenas as pinturas de Michelângelo...mas...que tal atentar para uma coisa curiosa?...há numa das paredes da capela (na parede do lado direito prá quem está de costas pro Juizo Final) três afrescos - das maiores obras-primas - de Botticelli, artista italiano mais conhecido pelas pinturas que estão nos Uffizi, em Florença. Esses três afrescos (As Provações de Moisés, O Castigo dos Rebeldes e a Tentação de Cristo) merecem uma atenção especial, antes mesmo de admirar o teto pintado por Michelângelo. São das obras mais importantes do mestre Botticelli.

Quanto ao teto, além da famosa criação de adão, vale a pena atentar para a expulsão de adão e eva e o dilúvio...

Outra coisa...além da capela, vale visitar as salas de Rafael com pinturas imensas e espetaculares enchendo todo o ambiente...um espetáculo...está para Rafael, assim como a Scuola Grande di San Rocco, em Veneza, está para Tintoretto ou a Capela Scrovegni, em Pádua, para o grande mestre Giotto. Na verdade, as salas de Rafael são a Capela Sistina do jovem pintor...

Além disso, se puder ver apenas o Laocoonte (estatuária grega) já valeu a visita...

Para ver fotos - passo a passo - da visita no famoso museu, acessar minha página do FLICKr:

http://www.flickr.com/photos/denisonrosario/sets/72157623127059591/

A MAIOR ESCOLA DE PINTURA É A ITALIANA

2010-01-14T12:03:00.000-08:00

Artistas como Tintoretto, Ticiano, Caravaggio, Leonardo Da Vinci, Michelângelo, Correggio, Rafael, Bottichelli, Giotto, Bellini e outros...com suas cores vivas, claro-escuro, técnicas flúidas no pintar, composições bem estudadas, estudos de cadáveres...pintaram como nunca.

Esses mestres permeiam as mais importantes escolas e períodos...trecento renascentista, quatrocento, cinquecento, maneirismo, barroco...é a referência maior para os espanhóis, franceses e flamengos quando se trata de arte.

Os flamengos (pintores dos Países Baixos) vem logo em seguida, com a invenção da pintura usando tinta à óleo sobre tela, em substituição à têmpera, criando efeitos realistas incríveis nas imagens e a perspectiva linear, cujo elemento unificador é a luz, que esconde ou destaca cada mínimo detalhe...

Eu simplesmente não acreditei quando, no Museu do Prado, em Madri, me vi diante de um quadro do grande pintor italiano Ticiano...as cores, a vivacidade dos corpos e a composição...e quase cai prá trás...não consegui me manter em pé, quando vi o quadro do grande pintor flamengo Rogier van der Weyden intitulado a Deposição (foto acima), devido ao dramatismo da cena e a verossimilhança de cada detalhe que compõe a roupa dos personagens...